5 способов отпраздновать день рождения Чича

«Evil Bong» (2006)

Первый фильм франшизы — чистое безумие, в котором и родилась легенда. Сюжет прост, как бонг без фильтра: несколько соседей по квартире (типичные студенты и лузеры) покупают таинственный бонг с eBay. И когда они начинают курить, устройство оказывается одержимым. Ну и затягивает курильщиков в альтернативную реальность, где царят обнажённые танцовщицы, неон и психоделика.

Фильм снят за копейки, но его дух неповторим. Это почти театральная постановка на минимальной площади с безумной дозой самоиронии. Джон Патрик Джордан и Дэвид Уидофф в роли друзей выглядят очень естественно: их апатия и наивность — главная прелесть картины. Особое удовольствие доставляет сам голос злого бонга по имени Эби (Eebee, она же EB — Evil Bong) — хриплый, ехидный, словно смесь демона и продавщицы из разливной пивнухи за углом.

Сценарий, конечно, трещит по швам, но в этом и кайф. «Evil Bong» не притворяется чем-то большим (ещё бы, с рейтингом в районе 4 из 10!), он пародирует ужастики, жанр эксплотэйшн и саму культуру курения. В целом, для Хэллоуина — идеальный фильм под глупый смех и облако дыма.

«Evil Bong 2: King Bong» (2009)

Продолжение поднимает градус абсурда. Герои, страдающие от странных последствий курения Эби, отправляются в джунгли Амазонки искать легендарного Короля Бонга. Там, как водится, всё ещё хуже: древние ритуалы, говорящие черепа, галлюцинации, да и сама Эби тоже возвращается, чтобы устроить травяной замес.

И если первый «Evil Bong» был камерной комедией, то второй — чистое приключение в духе Индианы Джонса под кайфом. Недаром среди всех частей именно второй фильм выделяется чуть большим рейтингом (но всё ещё стабильно ниже 5 из 10). Неизменный режиссёр Чарльз Бэнд тут с иронией играет с разными клише, вплетая в историю отсылки к психоделическим фильмам 70-х. Бюджет, конечно, снова микроскопический, но команда компенсирует это нарочитой театральностью и визуальной креативностью. То есть, декорации, конечно, всё ещё выглядят как папье-маше, но работают на атмосферу.

Вторая часть впервые делает франшизу вселенной: возвращаются старые персонажи, появляются новые фрики, а за кулисами намечается мифология. Именно где-то здесь появляется ощущение, что это уже не просто поделка с сиквелом, а уже какая-то новая сага, пусть и пропитанная запахом сладкого дыма и дешевого пластика.

 «Evil Bong 3D: The Wrath of Bong» (2011)

Третья часть — эксперимент, и, кстати, довольно амбициозный. Будучи снятой в 3D, она выходила в кинотеатрах США с ароматизированными карточками, чтобы зрители могли «нюхать» сцены. Сюжет доводит концепцию предыдущих двух фильмов до маразма: инопланетный бонг падает на Землю, объединяясь с Эби, и теперь они вдвоём планируют завоевать человечество.

Честно сказать, на уровне визуала фильм удивительно живой. Конечно, 3D выглядит кустарно, но в этом есть шарм. Каждый кадр снят с любовью и парой косяков за кадром. Бюджет тут, кстати, тоже, видимо был не больше пары косяков. Сценарно — всё та же смесь гэгов, лёгкой эротики и метаиронии: герои осознают, что живут в продолжении оригинального фильма, и даже шутят о том, как устали сниматься в этой франшизе.

«Evil Bong 3D: The Wrath of Bong» — важный момент франшизы. Он закрепил её репутацию как культа «для своих». Здесь появляются первые признаки того, что вселенная «Evil Bong» живёт по собственным законам: без правил, но с самоиронией и искренним весельем.

 «Gingerdead Man vs. Evil Bong» (2013)

В 2013-м году режиссёр Чарльз Бэнд снял и выпустил восемь фильмов. «Gingerdead Man vs. Evil Bong» — один из них. Иногда кажется, что это кино родилось на спор. Потому что тут злобное печенье-убийца из серии «The Gingerdead Man» встречается со Злым Бонгом. И, да, это звучит ровно так, как выглядит. Сюжет соединяет две вселенные Full Moon Features: Спёкшийся (так обычно переводят название The Gingerdead Man) сбегает из ада и хочет уничтожить Эби, но в итоге попадает в её ловушку. С этого и начинается замес.

По духу — это хреновый комикс, снятый на VHS. Не раз уже хотелось сравнить серию «Evil Bong» с культовым трэшем поздней Тромы, но тут прямо особенный повод. Потому что режиссёр даже не пытается скрыть трэшовость, а наоборот, культивирует её. Доходит до того, что местами это тупо пародия на саму пародию. Но в моменты, когда актёры перестают кривляться, в фильме проскальзывает странное тепло. Вернее, чувство ностальгии по старому безумному хоррору, где главное — угар. А логический сюжет – дело десятое.

Критики, конечно, разнесли картину: они каждый фильм Чарльза Бэнда поносят. Но многие накуренные фанаты приняли кроссовер с восторгом: всё-таки впервые «Evil Bong» превратился в самостоятельный бренд, способный на коллаборации и фан-сервис.

 «Evil Bong 420» (2015)

А вот тут — символичное возвращение к истокам и одновременно метакомедия. Эби — тот самый зловещий бонг — открывает свой собственный канна-шоп, а главные герои пытаются вернуть нормальную жизнь. Но, конечно, всё идёт под откос: в дело вмешиваются полуголые пришельцы, неудачные бизнес-планы и новый виток потустороннего веселья.

Фильм, конечно, одновременно глуп и очарователен. Но его сила в том, что это сатира на коммерциализацию канна-культуры, где «всё становится брендом» — даже Зловещий Бонг. Впрочем, здесь уже чувствуется лёгкая усталость и ностальгия: старые персонажи возвращаются, юмор стал мягче, а постановка — чище. Так что на уровне символизма «Evil Bong 420» — фильм о том, как контркультура взрослеет. 

«Evil Bong High-5!» (2016)

Действие пятой части начинается прямо там, где закончился «Evil Bong 420»: герои застряли в неоновом измерении, где реальность растворяется в клубах дыма и нескончаемых вечеринках. Эби, всё так же ехидная и властная, решает не убивать их, а обеспечить своих пленников бесконечным бэд-трипом.

На этот раз фильм опирается не на сюжет, а на ощущение бесконечного кайфа, эдакий ночной кошмар гедониста. Много неоновых задников, дыма, фетиш-эротики и тупейших диалогов. Но такая смесь работает! Каждая сцена снята как скетч, как будто авторы просто импровизируют, а камера случайно всё фиксирует. Для плотного накура – самое оно!

Главная прелесть этого фильма — в самоиронии. «Evil Bong High-5!» смеётся не только над персонажами, но и над самой кинофраншизой. Здесь появляется много пасхалок на предыдущие части, включая камео старых героев и пародии на собственные ошибки. Типа как вечеринка выпускников, только все под кайфом, а вместо диджея — Зловещий Бонг.

 «Evil Bong 666» (2017)

Название не обманывает: шестая часть действительно решает призвать демонов. Сюжет крутится вокруг того, как Эби пытается вернуться в мир людей через портал, открытый случайным стоунером. Но она сталкивается с новой героиней — Луной, ведьмой, владеющей канна-магией. Тут как раз и начинается низкобюджетный замес.

Тон этой части более мрачный, хотя юмор по-прежнему дико тупой. Здесь впервые появляется мотив «сатанинской травы», которая даёт не кайф, а видения ада. Вот это концепт! «Evil Bong 666» всё время заигрывает с символикой: перевёрнутые кресты, зелёные огни, дым, похожий на серу. Всё для создания антуража эдакого канна-ада. Но не унылого, а, разумеется, забавного.

Минус «Evil Bong 666» в том, что в этом фильме чувствуется усталость. Но также тут проглядывает и зрелость. Чарльз Бэнд с остальными ребятами будто наконец решили, что франшиза может быть чем-то большим, чем затянувшимся канна-приколом. Да, бюджет всё ещё нищенский, а актёры часто играют на автопилоте, но под этим пластом трэша угадывается странная философия: даже зло хочет покурить и расслабиться.

 «Evil Bong 777» (2018)

Седьмая часть переносит действие в Лас-Вегас. Семёрки в названии – это как раз про игровые автоматы. Эби, Луна и компания оказываются среди казино, где каждый второй персонаж — пародия на американскую мечту, подогреваемую азартом. Где-то тут франшиза «Evil Bong» достигает своего максимума в плане китча: полуголые демоны, говорящие предметы, гламур, и бонг, пускающий дым в форме доллара.

И всё же, если рассматривать драматически, то, как ни странно, «Evil Bong 777» работает как одна из лучших комедий всей франшизы. Темп быстрый, юмор плотный, персонажи наконец нашли химию. Один из героев вообще превратился из обычного курильщика в довольно-таки комичного философа, рассуждающего о бренности кайфа. Ну и градус мета-иронии зашкаливает: фильм настолько полон внутренних отсылок, что в одной сцене герои буквально спорят, какая часть франшизы была худшей.

Главная сила «Evil Bong 777» — лёгкость. Это кино без претензий, чисто развлекуха и щепотка меланхолии. В какой-то момент кажется, что даже Эби начинает уставать от вечного веселья и задаётся вопросом: «А есть ли жизнь после накура?» Кстати, на удивление философский момент для фильма, где демон-бонг курит из себя же.

 «The Gingerweed Man» (2021)

А это — спин-офф и мягкий перезапуск вселенной. После финала «Evil Bong 777» мир франшизы будто выдыхается. И поэтому рождается новый герой: Джинджервид Мэн, антропоморфный росток конопли. Он воюет с наркодилерами, спасает невинных и пытается найти место в мире, где трава уже легальна, а чудеса — нет.

И, знаете, этот фильм неожиданно обаятелен. Несмотря на свою (ещё большую) глупость, он построен как пародия на комиксы Marvel и старые стоунер-комедии. Сценарий доверху набит отсылками к канна-индустрии, легализации, КБД и новой этике. Это уже не трэш-хоррор, а такой лёгкий сатирический фарс, где зло побеждается не силой, а хорошим вайбом.

В «The Gingerweed Man» франшиза «Evil Bong» как будто взрослеет. Эби почти не появляется, но её дух витает в каждом кадре. Ну и сам фильм делает шаг в сторону — от ужаса к комедийному супергеройскому гротеску.

 «Evil Bong 888: Infinity High» (2022)

«Evil Bong 888: Infinity High» задумывался как финал саги (но не тут-то было). Но кино не получилось серьёзным. Оно просто собрало всех и всё. Эби возвращается, чтобы «устроить последний кайф», объединяя всех персонажей из предыдущих фильмов в одном психоделическом кроссовере. И, кажется, Чарльз Бэнд напихал в этот фильм буквально всё: порталы, демонов, ведьм, пришельцев, бонгов всех мастей. Фильм бесконечно цитирует свои приквелы и спин-оффы. Эдакое развлечение для своих.

Именно поэтому «Evil Bong 888: Infinity High» ощущается как трип в собственную ностальгию. Он медленный, нелепый, но при этом невероятно тёплый. И франшиза сворачивает туда, куда она, оказывается всё это время стремилась. Она больше не про комичное зло, не про траву — а про фанатов, которые шли с этой серией почти двадцать лет. Так что это — благодарность.

Да, его посмотрят не многие. Да, визуально фильм выглядит как театральная постановка в подвале. Да, спецэффекты здесь на уровне Windows 98. Но тут нет фальши (кроме актёрской): только любовь к тому, что началось как шутка, а стало целым канна-мифом.

 «Evil Bong‑A‑Thon!» (2025) 

И вот на «Evil Bong 888: Infinity High» можно было бы и закончить, но Чарльз Бэнд не унимается. В 2025-м году аккурат к 20 апреля он выпустил новую часть «Зловещего Бонга». Два десятка лет сумасшедших приключений тут собраны в одном сборнике, где главной звездой остаётся сама Эби, вокруг которой вертится вся серия. Зрителю предлагают эдакую прогулку памяти: сначала было как, потом стало эдак, потом вообще ушло в трип. И поэтому сам «Evil Bong‑A‑Thon!» можно скорее назвать монтажной компиляцией. Тут мелькают эпизоды из всех предыдущих фильмов, возвращаются знакомые лица, камео и узнаваемые образы. Для фэнов это зрелище в духе «ох, я помню это», «а вот тут было то» — и эдакое чувство единения, что франшиза выросла вместе со зрителями.

Но есть и серьёзный вопрос: насколько это полноценный фильм? Поскольку материал большей частью — нарезка из старых эпизодов, новых сюжетных линий практически нет, и, если вы не фанат серии, многое может показаться бессмысленным. С другой стороны, каким-то чудом у «Evil Bong‑A‑Thon!» самый высокий IMDB-рейтинг из всей франшизы. Как так вышло? Видимо, народная любовь…

В итоге «Evil Bong-A-Thon!» кажется каким-то тёплым и душевным топтанием на месте. Это дань уважения, возможность собраться вокруг общей истории, вдохнуть накопившийся дым и просто хорошо провести время за очередной серией трэша.

***

В общем, получается так, что франшиза «Evil Bong» — это редкий случай, когда серию низкобюджетных стоунер-фильмов можно рассматривать как культурный феномен. Да, это трэш. Да, это самоирония на стероидах. Но это и хроника: отражение того, как культура марихуаны шаг за шагом превратилась из маргинального веселья в часть массового сознания.

Автор: @Turkeugene

Статья вышла при поддержку спонсора — сидшопа Семяныч.

«Всё везде и сразу» 

Фильм «Всё везде и сразу» смахивает на попытку заглянуть в саму плоть современного сознания. Представьте, что вы случайно открыли в себе 64 браузерные вкладки с разными версиями себя — и все они начали спорить, кто из вас настоящий. Режиссёры Дэн Кван и Дэниел Шайнерт берут базовую концепцию мультивселенной, которую давно и жадно обсасывают блокбастеры, и превращают её в сугубо личный, изощрённо абсурдный и одновременно болезненно человечный рассказ о семье, идентичности и невыносимой тяжести бытия в эпоху бесконечных опций.

В целом-то сюжет нарочито прост: женщина средних лет, владеющая прачечной, попадает в водоворот событий, где от неё зависит спасение всех возможных реальностей. Но за этим фасадом скрывается что-то гораздо более острое: тревожное чувство, что ты проживаешь не ту жизнь, не с теми людьми, не в том мире. И именно это «не то» оказывается идеальной питательной средой для кинематографической феерии, где пальцы-сосиски соседствуют с философскими афоризмами, а драма про поколенческие травмы живёт под одной крышей с кунг-фу и пародией на «Рататуя».

Режиссёры умудряются выстраивать повествование, которое балансирует на грани безумия, но при этом не теряет ориентиры. Сюжетная воронка засасывает всё подряд: гэги, боёвка, философская рефлексия, глупость, печаль, отчаяние, принятие, абсурд и любовь. Здесь даже камень способен выдать пронзительнейшую сцену. Серьёзно. Вот прямо обычный камень.

Особо стоит отметить актёрскую работу Мишель Йео — без неё этот фильм развалился бы на части. Она держит на себе весь этот карнавал метафизического безумия с такой сосредоточенной уязвимостью, что даже самый циничный зритель в какой-то момент перестаёт искать логику, а просто плывёт по течению. Ке Хюи Куан, внезапно вернувшийся после десятилетий в забвении, оказал Мишель Йео такую мощную актёрскую поддержку, что за свою роль он получил премию «Оскар». Так что его сдержанная нежность неожиданно становится эмоциональным центром всего нарратива.

Визуальный язык фильма — отдельная история. Монтаж местами напоминает ролики из Тик-Тока, а порой прекращается в психоделическое залипалово. А потом внезапно вскрывается, что за нарочитой хаотичностью скрывается точнейшая драматургия. Каждая сцена, каждая версия персонажа несёт смысл, а не только приколы и гэги. И всё это работает на одну цель — разобрать зрителя на атомы, а затем собрать заново. Только уже с чуть большим сочувствием к себе и окружающим.

«Всё везде и сразу» — своего рода экзистенциальная притча. И семейная комедия. И триллер с детективной линией. В общем, всё и сразу. И везде, конечно же.

«Атомный цирк: Возвращение Джеймса Баттла»

Обычно фильмы придерживаются одного жанра. Бывают кроссоверы из двух-трёх жанров. А есть такие фильмы, где на вопрос «В каких жанрах снимаем?» режиссёр просто отвечает «Да!» с горящими глазами. Вот «Атомный цирк» как раз такой.

Он словно выпал из радиоактивной мечты режиссёра, который в детстве пересмотрел «Безумного Макса», «Чужого» и слишком много клипов на MTV. «Атомный цирк» не столько рассказывает историю, сколько устраивает пульсирующую дискотеку из жанров, образов и звуков, где клоуны, космические чудовища и кантри-певицы пляшут под одну кислотную дудку режиссёра. Это кино, которому плевать на стройную драматургию, но оно мастерски превращает бардак в эстетический принцип.

Особенно внезапно всё это смотрится, когда подходишь к просмотру подготовленным и подкуренным. Твисты и повороты повествования ошеломляют ещё сильнее, оставляя неизгладимое впечатление.

По сюжету всё предельно хаотично, но в этом и суть: в захолустный французский городок вторгается нечто неземное. А параллельно с этим туда возвращается Джеймс Баттл — парень, обвинённый в поджоге, отсидевший и мечтающий вернуть свою возлюбленную. Она, между прочим, теперь хочет стать звездой, а сцена её тянет так же сильно, как инопланетян — свежее мясо. В результате мы смотрим месиво из научной фантастики, боевика, музыкальной драмы и комедии абсурда. И вместо попытки склеить это в стройное повествование, режиссёр Дидье Пуаро просто разводит руками и говорит: «Ну вы держитесь там».

«Атомный цирк: Возвращение Джеймса Баттла» порой просто насилует жанры. Порой он избыточен по всем фронтам: сюжетным, визуальным, звуковым. Но именно в этом его дерзкое обаяние. Здесь всё гиперболизировано до гротеска, до крика, до стона. Монстры выглядят так, будто их вылепили из жвачки и старых антенн, спецэффекты — на грани трэша и восторга, а диалоги балансируют между поэтическим дебилизмом и сюром. Даже саундтрек — гремучая смесь рокабилли, электроники и безумия. Всё это создаёт ощущение, что кино сделано не для повествования, а для того, чтобы проверить — выдержит ли твой мозг такое давление.

Что ж, если его смазать дымком, то точно выдержит. Ну либо отлетит к чёрту!

Если рискнёте проверить, то непременно попробуйте! И пусть откровенно средняя оценка вас не пугает: подобный яркий трэш точно не для всех, но своего зрителя фильм должен найти, потому что с годами он всё больше обрастает культовым статусом.

«Сотни бобров»

«Сотни бобров» — фильм, который объяснять словами почти так же нелепо, как пытаться переубедить бобра в том, что дамбы — не главное в жизни. Это чёрно-белая, почти немая комедия, снятая за три копейки, но с таким размахом и креативом, которого не хватает многим блокбастерам. Здесь нет звёзд, нет диалогов, нет реализма — и всё это делает фильм особенно живым.

В целом «Сотни бобров» больше напоминают не кино, а мультики типа Looney Tunes или Тома и Джерри. Ближайший конкурент на этом поле — «Маска» с Джимом Керри, где главный герой превращался в сумасшедшего мультяшку, потому что сам любил смотреть детскую анимацию. 

Сюжет очень простой: торговец сидром теряет всё из-за нашествия бобров и пускается против них в охотничий крестовый поход. Он хочет стать траппером, набрать шкур и добиться руки дочери местного торговца. Путь его тернист и абсурден и напоминает лесной «рогалик» на фоне безмолвного зимнего пейзажа, тишину которого лишь иногда нарушает хорошо поставленный удар граблями по лицу.

«Сотни бобров» выстроен как нежная деконструкция жанра: он ссылается на классическую немую комедию (привет, Чарли Чаплин и Бастер Китон!), на тех же Looney Tunes, на игры-платформеры от Nintendo. Но всё это делается не для галочки, а с фанатской изобретательностью. Каждая сцена — это миниатюрная комическая головоломка. Здесь ничего не стоит на месте: герой постоянно падает, встаёт, деградирует и эволюционирует, и всё это с плотной хореографией, почти как в старомодном водевиле.

Ну а чёрно-белая палитра лишь подчёркивает абсурд и отсекает всё лишнее. Этот мир не нуждается в цвете: он дышит контрастами. Но вы можете его раскрасить своим сиреневым туманом. Тогда спонтанность «Сотен бобров» заиграет по-новому. Ведь в конце всё оборачивается штурмом бобровой цивилизации с моралью, что человек — это существо, которое даже ради любви к сидру может объявить войну бобрам.

«Сотни бобров» — очень смелое кино с полным отсутствием здравого смысла — уникальный фильм в современном мире!

«Экстаз»

Любите кинотрипы? «Экстаз» такой!

Это один из самых сконцентрированных и безжалостных опытов в современной европейской хореографической драме. Гаспар Ноэ, режиссёр, давно работающий на границе кино и телесного потрясения, превращает танцевальную вечеринку в лабораторию человеческой психики под давлением. Поначалу это триумф тела, ритма и свободы, а потом тусовка медленно и неотвратимо скатывается в кошмар без формы и смысла. Это кино не столько рассказывает, сколько испытывает зрителя.

Тем более, что «Экстаз» почти не имеет сюжета в классическом понимании. Труппа танцоров репетирует в изолированном здании, празднует завершение проекта, пьёт сангрию... и вскоре выясняется, что кто-то подмешал наркотики в напиток. И начинается свободное падение в его величество бэдтрип! «Экстаз» раскладывает его на фазы: эйфория, тревога, паранойя, агрессия, распад.

И, если у вас крепкая психика, и вы способны разделить свой хороший трип на диване с плохим трипом на экране, то «Экстаз» гарантированно загипнотизирует вас своим ритмом. Длинные планы, почти документальная съёмка, минимальное количество монтажных склеек создают эффект непрерывного погружения. Например, первый танцевальный эпизод снят в едином кадре и подан не как постановка, а как жизненная энергия в чистом виде.

Музыка занимает в фильме почти центральную позицию. От Aphex Twin до Cerrone, от жёсткого техно до хауса 90-х — саундтрек формирует не только атмосферу, но и структуру фильма. Звук здесь не подстраивается под кадр, но ведёт его за собой, разрушает порядок и диктует ритм без логики и финала.

Но учтите, что режиссёр Гаспар Ноэ не делает скидок. Его визуальный язык остаётся жёстким, иногда даже нарочито отвратительным. Камера летает, поворачивается, теряет устойчивость. Как, кстати, и сознание героев. Пространство искажено, цвета кричащие, проступает логика сна. И через экран очень хорошо удаётся прочувствовать состояние тотальной потери контроля без прикрас и жалости.

«Зомби одним планом!» (также «Съёмки без тормозов»)

Про фильм «Зомби одним планом!» сложно говорить без спойлеров. Поэтому давайте так: если вы любите небанальные фильмы, которые ломают шаблоны и ожидания, просто посмотрите его без всякого бэкграунда. Он способен удивить и развернуть сюжет в совершенно другое русло. Дважды.

А теперь – немного подробнее и со спойлерами.

Суть в том, что «Зомби одним планом!» – редкий пример того, как обманчиво жанровое кино может выйти за пределы своих шаблонов, сохранив при этом лёгкость и самоиронию. Японский режиссёр-дебютант Синъитиро Уэда не столько снимает фильм про зомби, сколько делает кино о съёмке фильма про зомби. При этом не в духе пошлых мета-игр, а с выверенной структурой, точной интонацией и абсолютно искренним юмором.

Первый акт картины — 37-минутный, якобы снятый «сырым» дублем трэш-хоррор, где всё выглядит предельно странно: актёры запинаются, камера дёргается, сюжет петляет и рушится под собственной нелепостью. Сначала это сбивает с толку: что за халтура? Но во втором и третьем акте фильм неожиданно раскрывается и демонстрирует, что за каждой неловкой репликой, кривым кадром и якобы случайной ошибкой стоял расчёт — и это вызывает не смех, а восхищение.

Уэда мастерски выстраивает структуру: зритель сначала сталкивается с результатом, потом узнаёт процесс, а затем — мотивы. Это кинематографический «перевёртыш», где за маской трэша скрыта тонкая режиссёрская работа. «Зомби одним планом!» в итоге оказывается не фильмом про зомби, а нежным признанием в любви к низкобюджетному творчеству, импровизации и командной работе, где результат далеко не всегда идеален, но всегда живой.

В кастинге тут нет известных актёров, но они работают удивительно слаженно. Их нелепости в первом акте получают обоснование в последующих. И зритель, зная теперь закулисье, смотрит на прежние сцены с совершенно иным чувством. Переоценка увиденного — одна из сильнейших сторон фильма. В этом плане «Зомби одним планом!» демонстрирует, как контекст трансформирует восприятие.

Особо стоит отметить юмор: он построен не на сарказме, а на точных наблюдениях. Это не издевка над жанром, а доброжелательный, почти любящий взгляд на всю абсурдность независимого кинопроизводства. За внешней простотой скрывается удивительно тёплая интонация, что делает финал особенно трогательным.

«Зомби одним планом!» легко недооценить, если смотреть его поверхностно. Но это мета-комедия, которая работает не за счёт насмешки, а за счёт точного знания законов кино и любви к ним. То есть, это редкий случай, когда формальный эксперимент оборачивается человеческой историей. И это, пожалуй, главное достоинство фильма.

Автор: @Turkeugene

Еще почитать:

Пока они шли на съёмочную площадку, Бриджес тупил, не помнил текст и болтал про еду в ресторанах, а режиссёр думал: "Всё, карьера кончена". Но когда крикнули «Мотор!», произошло чудо. Бриджес мгновенно превратился в серьёзного президента, отчеканил трёхстраничную речь с первого дубля и через полгода получил номинацию на «Оскар». 

Забавно, что для культовой стоунер-роли Чувака в «Большом Лебовски» Бриджес вообще не курил, чтобы не потерять концентрацию.

Сам он признаётся, что, бывает, думает: "Для этого парня это важное событие, так что можно и пару затяжек сделать вместе".

Актёр каждый день курит и считает это терапией. По его словам, он переносит траву лучше других людей. Бывает покурят на вечеринке, он нормально себя чувствует, а другой человек потом три месяца в депрессии ходит. Сет Роген шутит, что природа его не наградила физическими способностями, зато дала талант хорошо переваривать каннабис. Кстати, у него есть своя фирма по производству марихуаны.

«Поцелуй навылет» («Kiss Kiss Bang Bang», 2005)

Есть фильмы, которые приходят не вовремя, но остаются навсегда. «Поцелуй навылет» именно такой. Это криминальная комедия, которая в 2005 году проскользнула мимо широкой публики, оставив только шорох хороших рецензий и рекомендации довольных, но редких зрителей. Сегодня это — культовая в определённых кругах история про глупость, насилие, дружбу и смертельно опасный Лос-Анджелес, где каждый второй — актёр, каждый третий — убийца, а каждый четвёртый — всё сразу.

Режиссёром тут выступил Шейн Блэк, сценарист с биографией, как у персонажа собственного сочинения. Он написал «Последнего Киногероя», «Смертельное Оружие», «Последнего Бойскаута» и множество других культовых историй, из которых потом создали отличные фильмы. «Поцелуй навылет» — режиссёрский дебют Блэка. И надо сказать, что он врывается в режиссуру с хулиганской уверенностью. Шейн пересобирает нуар как детский конструктор: оставляет ненадёжного рассказчика, роковую красотку, грязную тайну и пару трупов, но добавляет к этому стендаперский ритм, метаиронию и нежную, хоть и циничную, любовь к жанру. В результате получается коктейль, где классика 40-х смеётся над собой, попивая бурбон с антидепрессантами.

Главное богатство фильма — его персонажи. Роберт Дауни-младший, ещё до своей эпохи Железного Человека (но уже после рехаба), играет здесь в лучшей форме: его Гарри Локхарт — вор, по ошибке оказавшийся на кинопробах, — это смесь Чаплина, Вуди Аллена и спаниеля, которому постоянно прилетает по носу. Он искренне хочет быть лучше, но всё валится из рук, а пистолеты стрелять не перестают. Вэл Килмер — частный детектив и стойкий профессионал — исполняет роль, за которую его стоило бы навечно вписать в пантеон второго плана.

Диалоги в фильме — это отдельный разговор. Они остроумны, резвы и бьют прямо в сердечко. При этом это не юмор ради юмора, он часть механизма, с помощью которого фильм удерживает равновесие между фарсом и трагедией. Смерть, подлость, детская травма, насилие — всё это здесь есть, но подано с таким тонким балансом, что зритель успевает посмеяться, прежде чем поймёт, что юмор-то мрачноватый донельзя.

Визуально картина проста, но не примитивна. Лос-Анджелес показан не как солнечный рай, а как мираж — город, в котором глянцевая обложка скрывает гнильцу. Вечеринки полны пустых людей, а блестящий Голливуд оказывается декорацией, где правда — лишь сценарный черновик, валяющийся где-то около мусорной корзины.

«Поцелую навылет» удаётся быть всем сразу: детективом, фарсом, комментарием о кино-бизнесе, историей искупления, дружбы и легкой безуминки. Но он не стремится нравиться всем — и это его достоинство.

«Город грехов» («Sin City», 2005)

Наверное, все помнят «Город грехов». Но когда вы пересматривали его последний раз? А будучи накуренными? Да, возможно, «Город грехов» сейчас и не будет выглядеть так же революционно, как 20 лет назад, но он по-прежнему поражает своей креативностью и минималистичной красотой каждого кадра.

Говорят, что это образцовый перенос комикса в кино. Причём, такого комикса, который долгое время считался абсолютно неэкранизируемым. Но изобретательный Роберт Родригез сделал невозможное. Картинка поражает сразу же. Она чёрно-белая, но не скучно-ностальгическая, а дерзкая и стильная: каждая капля крови — как художественный мазок, каждая вспышка красного или жёлтого в дождливом монохноме — как пощёчина глазу. Реализмом, как в некоторых других фильмах этого списка, тут и не пахнет. наоборот, «Город грехов» — это гиперстилизованная симфония насилия, в которой каждый кадр — как панель из графического романа: выверенная, замершая и при этом дико живая. Глубина тут не в спецэффектах, а в порезах, шрамах и взглядах, от которых хочется либо закурить, либо помолиться.

Но так-то «Город грехов» можно рассматривать не только с точки зрения визуальных восторгов. Это ещё и энциклопедия человеческой темноты, поданная с гипертрофированной честностью. Каждый герой тут —яркий персонаж. И три истории представляют «Город грехов» с разных сторон. Марв — каменный здоровяк с лицом Микки Рурка и душой распятого волка, Дуайт — контуженный рыцарь без доспехов, но с планом (нет, не тем), а Хартиган — принципиальный полицейский, которого давно пора списать, но он всё ещё держит руль жизни, хотя дороги уже нет. Первый выбирает путь мести, второй борется за выживание, а третий хочет довести дело до конца. Не все истории закончатся хорошо. Но каждая оставит свой след. Ну и женщины здесь — ох! — каждая символизирует то гнев, то страсть, то предательство, то нежность, то революцию. Все смертельно прекрасны!

Сценарий «Города грехов» не особо церемонится: мораль — роскошь, совесть — дорогая игрушка, а справедливость вырывается зубами, потому что закон давно мёртв. Как кто-то однажды хорошо сказал, Город Грехов — это ад, в котором дьявол устал, и теперь власть у тех, кто готов быть хуже него.

Особенно хорошо «Город грехов» раскрывается, если хорошенько дунуть перед просмотром. Экран просто притягивает к себе, а стильная чёрно-белая картинка надолго остаётся в памяти. Во второй части «Города грехов» уже было мало души, но вот в первом фильме её сполна.

«Стрингер» («Nightcrawler», 2014)

Фильм «Стрингер» — это точный и тревожный взгляд на мир, где новость ценится не за правду, а за зрелищность. Это история о человеке, который превращает человеческие трагедии в товар, не испытывая при этом ни капли сомнения. Лу Блум — герой неудобный, пугающий, но оттого ещё более интересный. Можно сказать, что он нарушает правила. Но, скорее, он просто их не признаёт.

Джейк Джилленхол в этой роли великолепен. Кстати, так вышло, что Джилленхолл играет в трёх из пяти фильмов сегодняшней подборки. В начале нулевых он по-особенному раскрылся, как безумно талантливый актёр. И в «Стрингере» он как раз показывает всё, на что способен. Его герой полностью лишён эмпатии, но при этом невероятно умен. Лу — социопат и самоучка, который читает мотивационные книги и ведёт себя как менеджер года, но делает это, чтобы продавать кадры с мест преступлений. Его взгляд — острый и холодный; он не участвует в жизни, он её снимает. И это один из самых сильных образов в карьере Джейка.

В «Стрингере» всё работает на атмосферу. Даже Голливудские Холмы Лос-Анджелеса здесь предстают не столько городом мечты, сколько обычными декорациями к бесконечной ночной гонке за сенсацией. Улицы безлюдны, диалоги экономны, и каждый кадр построен так, чтобы подчеркнуть отчуждение. Режиссёр Дэн Гилрой делает акцент не на действии, а на наблюдении: он показывает, как легко переступить черту — и как быстро это перестаёт казаться чем-то необычным.

Фильм неспешен, но напряжение нарастает с каждой сценой. Лу учится, адаптируется, а затем использует систему на полную мощность. И самое тревожное в том, что у него получается. Его успех — это зеркальное отражение спроса: мы потребляем плохие новости, он поставляет. И в этом — главная сила «Стрингера».

Посмотришь такое кино, и отношение к новостям меняется. Сразу начинаешь понимать, как и зачем они делаются. В некотором роде это даже можно назвать терапией: один раз посмотришь такое вот напряженное и поучительное кино, и дальше хочется пореже заглядывать в новостную ленту. В эпоху думскроллинга это особенно важно. Особенно на руку играет то, что фильм построен на невольном сопереживании: в какой-то момент ловишь себя на мысли, что будто бы находишься рядом с главным героем в машине, когда он ищет следующий инцидент.

Но, тем не менее, «Стрингер» не столько про журналистику, или про криминал. Это фильм о современном человеке, оказавшемся один на один с системой, которую он решил обойти, а в итоге — освоил до совершенства. Он не зовёт к выводам, он просто показывает, как всё устроено. А мы — курим и смотрим.

«Под покровом ночи» («Nocturnal Animals», 2016)

«Под покровом ночи» — это тонкая и многослойная работа. Она говорит сразу на нескольких языках: эстетики, боли, воспоминаний и мести. Фильм снял Том Форд, и это удивительно. Потому что вообще-то Форд — один из самых известных мировых модельеров. «Под покровом ночи» — его второй фильм, но он сразу же получил «Гран-при жюри» на Венецианском кинофестивале. И это очень заслуженно! Потому что фильмы такого уровня обычно создают именитые мастера кино, но никак не люди из другой сферы. Тем этот фильм и интереснее.

Тому Форду удалось перенести на экран внутренний диалог человека, который однажды сделал неверный выбор, но слишком поздно осознал его последствия. Внешне холодный и выверенный, фильм постепенно раскрывает скрытую под поверхностью эмоциональную воронку.

Сюзан, героиня Эми Адамс, живёт в идеально оформленной, но душной реальности. Она окружена искусством, дорогими объектами и умолчаниями. И именно на фоне этого почти стерильного существования появляется рукопись бывшего мужа. И это чтение превращается в медленное возвращение к тому, от чего Сюзан когда-то отказалась, думая, что поступает правильно.

Фильм работает сразу в двух пространствах — в реальности Сюзан и в вымышленном мире романа. И оба уровня одинаково важны. Один — о внешнем контроле и подавленности, другой — о гневе, утрате и внутренней борьбе. Джейк Джилленхол играет и автора, и героя романа, что делает восприятие ещё более тревожным: не сразу понятно, где заканчивается вымысел и начинается исповедь.

Особенно цепляет мрачный и захватывающий мир романа. Ситуация, которая разворачивается там на ночной дороге, напряженная и пугающая. И пугает она именно своим реализмом, поданным настолько красиво и искусно, что весь фильм сидишь на краешке стула и ждёшь развязки.

Но в «Под покровом ночи» хорошая не только режиссура. Актерская работа здесь тоже безупречна: Джилленхол и Адамс передают эмоции без лишних слов, почти телепатически. Майкл Шеннон, как всегда, добавляет в кадр сухой огонь. Его персонаж полицейского, странный и прямой, становится голосом мрачной справедливости. Каждый герой здесь носит свои травмы на лице, но не показывает их напрямую — как будто боится лишить себя остатков контроля.

Ну и невозможно не упомянуть визуальный стиль. Всё-таки Том Форд — дизайнер. И его строгая и элегантная эстетика здесь подчеркивает и красоту, и пустоту. Каждый кадр хорош. И именно в этом ощущается тревога: за красивой обёрткой давно нет ничего живого.

«Пленницы» («Prisoners», 2013)

«Пленницы» — один из тех фильмов, которые начинаются с простой завязки, но постепенно обнажают под ней тяжёлую, вязкую моральную трясину. По сюжету тут пропадает ребёнок. Исчезает — и всё тут. Может показаться, что всё с этим фильмом понятно: будет поиск, напряжение, развязка. Но у Дени Вильнёва (да, тот самый, что снял «Дюну») не бывает никаких «просто». Он упрямо уводит зрителя от жанровых ожиданий и заставляет задуматься не только о справедливости, но и о том, что мы готовы с ней сделать, когда становится совсем больно.

Главный герой, сыгранный Хью Джекманом, — обычный человек. Он не идеальный отец, но его боль выливается в действия, которые сложно оправдать, но невозможно не понять. Джекман играет не гнев — он показывает медленно закипающее отчаяние, в котором исчезают границы между «можно» и «нельзя». И это до дрожи шокирующе работает: ты не столько сочувствуешь, сколько ощущаешь внутреннюю дрожь от узнавания, насколько тонка человеческая оболочка. И охереваешь ещё, сидя, опять же, на краешке стула.

Противоположный полюс — детектив Локи в исполнении нашего бро Джейка Джилленхола. Сдержанный, внимательный, с едва заметным тремором за внешней собранностью, он не герой действия, а человек, который наблюдает, собирает, выжидает. Его неспешность — не слабость, а профессиональная выдержка, за которой скрыта усталость от того, как устроен этот мир. Контраст между двумя героями — метафора двух разных способов переживать зло: ломая его или изучая.

«Пленницы» очень зайдут тем, кто любит слоубёрнеры и скандинавские триллеры, где нет ни чистого зла, ни однозначного добра. Есть мрачный лес, в котором пропадают дети — буквально и метафорически. И чем глубже зритель погружается в эту историю, тем больше вопросов остаётся. Один из самых тревожных — как далеко может зайти человек, если уверен, что действует во благо? И что останется от него самого после?

Вильнёв строит саспенс не на резких поворотах, а на гнетущей атмосфере. Камера Роджера Дикинса (ещё один великий мастер кино!) задерживается на деталях, на лицах, на домах, в которых ничего не происходит, но которые кажутся пропитанными напряжением. Визуальный стиль будто подсказывает: зло не живёт в подвалах — оно рядом, в тишине, в ничем не примечательных улицах, где однажды просто кто-то не вернулся домой.

Вот и получается, что «Пленниц», скорее, можно было бы назвать развернутой психологической драмой о границах морали. Здесь есть вопросы, на которые каждый зритель вынужден ответить сам. И это делает фильм по-настоящему сильным.

Автор: @Turkeugene

Уже смотрели что-то из списка? Тогда отпишите в комменты, как вам!

Еще почитать:

Кот-призрак Андзу (Bakeneko Anzu-chan, 2024)

Самый свежий мультфильм в нашем сегодняшнем списке – это «Кот-призрак Андзу». Этот мультик (а точнее аниме) можно смело рекомендовать всем, кто неравнодушен к шедеврам прославленной японской студии Ghibli. Да и, чего греха таить, «Кот-призрак Андзу» порой очень уж напоминает культовых «Унесённых Призраками». Только он более беспечный и дурашливый.

История этого атмосферного анимационного приключения, которое сочетает японский фольклор с доброй комедией, разворачивается вокруг маленькой девочки Карин. Её отправляют жить к дедушке-монаху в деревню. А Анзу, очаровательный кот-призрак, который обитает в старом святилище, становится буквально её опекуном. И им предстоит отправиться в другой мир и пройти множество приключений вместе с другими очаровательными персонажами.

Вообще «Кот-призрак Андзу» доверху насыщен японскими мифами, которые сталкиваются с современностью. И аниматорам удалось сделать этот мир одинаково интересным и для зрителей, незнакомых с японской культурой, и для тех, кто уже знает наизусть все мультики Ghibli. Яркая цветовая палитра тоже подчеркивает магическую атмосферу.

Про неё вообще стоит упомянуть отдельно, потому что «Кот-призрак Андзу» – невероятно яркий мультфильм. Вот есть такое выражение «конфетка для глаз» – это как раз такой случай. Подкуренным такое красочное пиршество вообще воспринимается особенно круто. И не в последнюю очередь благодаря забавному и очаровательному главному персонажу.

Анзу — кот с ярким характером, сочетающий проказливость, мудрость и душевность. Его можно сравнить с эдаким анимационным Джеффри Лебовски, который выруливает из разных ситуаций на своём дзене. Его шалости и взаимодействие с детьми и другими персонажами всё время вызывает улыбку. Ну и прикольно представлять, что этот огромный кот всегда накурен 🙂 Как, собственно, и тот зритель, который за ним наблюдает.

Но вообще за приколами и ярким визуалом тут скрывается и много интересных тем: что значит отпустить прошлое, как принять свои ошибки и как найти семью там, где ты меньше всего её ожидаешь. Согласитесь, довольно актуальные вопросы для большинства. Вот и мультик в лучших традициях японских шедевров балансирует между легкостью юмора и серьезностью эмоционального подтекста. А ещё вдобавок раскрывает духовную красоту японской культуры.

«Пиноккио» Гильермо дель Торо» (Guillermo del Toro's Pinocchio, 2022)

Гильермо дель Торо долгое время оставался специфическим режиссёром «не для всех». Но после того, как ему присудили премию Оскар за фильм «Форма Воды», его творчество полюбили многие. А сам Дель Торо получил карт-бланш по многим своим «проектам мечты». И один из них был экранизацией классической истории Карло Коллоди. И в прочтении Гильермо Дель Торо она оживает в формате кукольной анимации, повествование приобретает особенный художественный стиль, глубокую эмоциональную составляющую и философские размышления о жизни, любви и смертности.

Завязка сюжета тут довольно стандартная: всё-таки все знакомы с историей про Пиноккио или хотя бы Буратино. Действие мультфильма происходит в Италии 1930-х годов, в эпоху фашизма. Старый плотник Джеппетто, сломленный утратой своего сына, в момент отчаяния вырезает деревянную куклу, которая магическим образом оживает. Пиноккио — это непослушный, но любопытный мальчик, ищущий своё место в мире, где его постоянно сравнивают с идеалом, которого он не может достичь. Мультфильм исследует темы отцовства, индивидуальности и человеческой природы.

А уникальности ему придаёт стиль анимации. Ведь фильм выполнен с использованием сложной кукольной техники, которая выделяется текстурой и реализмом. Каждая сцена буквально излучает внимание к деталям, характерное для Дель Торо. Он мастерски сочетает мрачную атмосферу с юмором и теплотой, превращая сказку в глубокую метафору жизни.

Но, конечно, в одиночку Гильермо не справился бы. А команда у него подобралась очень достойная! Композитор Александр Деспла создал запоминающийся саундтрек, а актёры озвучки, включая Юэна Макгрегора, Кристофа Вальца, Рона Перлмана и Тильду Суинтон, эмоционально оживляют персонажей.

Несмотря на то, что этот мультфильм можно смотреть и с детьми, не стоит думать, что он скучный или дурацкий. Наоборот. «Пиноккио» Гильермо Дель Торо» исследует сложные темы вроде принятия потерь, поиска смысла в мире и вопросов морального выбора. Если вы любите философские размышления под крепкий джоинт, то это то, что надо.

Ведь «Пиноккио» Гильермо Дель Торо» выделяется среди других адаптаций своим смелым переосмыслением этой классической истории. Вместо того чтобы просто повторять известный сюжет, Дель Торо использует его как основу для исследования сложных тем, добавляя готические элементы и социально-политическую сатиру. Вот и выходит, что фильм искусно балансирует на грани между сказкой и трагедией. Он не боится быть взрослым, заставляя задуматься о смысле жизни и ценности любви. Это в полной мере произведение искусства, которое обращается и к сердцу, и к разуму, оставляя глубокое послевкусие.

В общем, если решите посмотреть «Пиноккио» Гильермо Дель Торо», то будьте готовы к мощной аллегории, которая, как и лучшие произведения Дель Торо, исследует уязвимость человеческой души. «Пиноккио» поднимает вопросы, которые остаются актуальными для всех возрастов, и напоминает, что быть несовершенным — это и есть человеческое.

«Маленький Николя» (Le petit Nicolas: Qu'est-ce qu'on attend pour être heureux?, 2022)

Бывают такие фильмы, по первому взгляду на которые становится понятно, что это будет что-то очаровательное. Вот «Маленький Николя» как раз такой. Эта анимация основана на знаменитых и культовых во Франции произведениях писателя Рене Госинни и художника Жан-Жака Семпе. И интересный момент в том, что «Маленький Николя» не только оживляет мир любопытного и озорного мальчика, но и становится трогательной данью творцам, стоящим за его историей. Они также являются главными героями.

Собственно, поэтому у мультфильма есть два слоя повествования, между которыми зрителю и предлагается переключаться. Первый — это история о приключениях Маленького Николя, его друзьях и повседневной жизни в уютном французском городке. Эти истории наполнены озорством, мечтами и детской непосредственностью. Каждый проходил через что-то похожее в детстве. Второй слой — это биографические моменты из жизни Госинни и Семпе, показывающие, как их дружба, опыт и личные воспоминания вдохновляли создание этого яркого и непосредственного персонажа.

Вот так вот через динамичное сочетание реальности и вымышленного мира, мультфильм и показывает, как детство становится неисчерпаемым источником радости, юмора и вдохновения. А помогает ему в этом особенный стиль анимации: Иллюстрации Семпе оживают на экране в теплых пастельных тонах, идеально передающих атмосферу наивности и безмятежности детства. А эпизоды с Николя и вовсе изображены на белом холсте, что нарочно подчеркивает атмосферу творчества, которое остаётся на бумаге. Ну или сбегает оттуда: Маленький Николя и так может.

Во главе тут стоит душевное повествование. Мультик балансирует между ностальгией по детским дням и рефлексией о сложностях взрослой жизни. Таким образом создаётся многослойная история, которая способна тронуть зрителей любого возраста. А искренний, лёгкий юмор без злобы и тепло, исходящее от персонажей, создают ощущение уюта и радости. Мультфильм совсем недлинный (он длится меньше полутора часов), так что он ощущается как заброс в какое-то беззаботное детство.

И этим «Маленький Николя» и объединяет поколения, напоминая о важности дружбы, мечтаний и маленьких радостей жизни. Он бережно сохраняет дух оригинальных книг, добавляя к ним визуальное великолепие и эмоциональную глубину. Метафоричность «Маленького Николя» и универсальность делают его подходящим как для семейного просмотра, так и для тех, кто под косячок хочет окунуться в ностальгию. Счастливый билет в детство.

Папин дракон (My Father's Dragon, 2022)

Мультфильм «Папин дракон» — это трогательная и волшебная анимационная адаптация одноимённой классической детской книги Рут Стайлс Ганнетт. Фильм сделала выдающаяся современная сказочница Нора Туми, которая известна, например, по совместной работе с другим анимационным волшебником Томмом Муром над мультфильмом «Тайна Келлс».

«Папин дракон» рассказывает историю мальчика по имени Элмер, который, стремясь помочь своей матери и найти новое место для жизни, оказывается на мистическом острове, полном фантастических существ. И на острове он встречает дракона по имени Борис, который нуждается в помощи. Вместе они отправляются в опасное и лихое приключение, чтобы раскрыть собственный потенциал и, конечно, спасти... не мир, но остров.

«Папин дракон», как и другие работы Томма Мура и Норы Туми, уникален своим подходом к анимации. Он действительно какой-то особенный. Богатые текстуры, живые цвета, детализированные персонажи. И всё вместе это создаёт атмосферу волшебства и сказки. При этом мультик исследует важные темы, которые актуальны и для детей, и для взрослых. Это страх перед переменами, сила дружбы и важность веры в себя. Поэтому «Папин дракон» трогает зрителей своим искренним подходом к детским переживаниям.

Да и к тандему Элмера и Бориса довольно быстро привыкаешь. Это невероятно симпатичная пара героев, чьи различия только укрепляют их связь. Их взаимодействие наполнено как юмором, так и трогательными моментами. В анимационных лентах такое особенно хорошо удаётся. К тому же тут очень интересный, если не сказать захватывающий сюжет, сказочные элементы и универсальные темы. Поэтому, как и остальные фильмы в этой подборке, он хорошо подходит для всей семьи.

Но даже в отрыве от семейного просмотра, иногда очень приятно вернуться в детство хотя бы душой. Немного травки помогает разгрузить мозг, сняв с него бремя ответственности. И в таком состоянии «Папин дракон» заходит особенно хорошо. Сразу представляешь себя невидимым спутником Элмера и Бориса. К тому же этот мульт не только развлекает, но и вдохновляет. Иногда полезно себе напомнить, что сила доброты, решительность и фантазия могут помочь преодолеть самые разные трудности. Это вселяет веру в собственные силы.

Обратите внимание на «Папиного дракона», если вы цените красивые истории о дружбе, семье и поиске своего места в мире. И непременно посмотрите хотя бы трейлер, потому что этот мультфильм действительно выделяется своим визуальным великолепием. Оно тут совершенно особенное.

Науэль и волшебная книга (Nahuel y el Libro Mágico, 2022)

Мультфильм «Науэль и волшебная книга» открывает дверь в магический мир чилийского фольклора. А ещё через анимацию помогает проработать свои страхи и внутренние сомнения.

Сюжет рассказывает о Науэле. Так зовут мальчика, который боится моря. И это осложняет его жизнь, потому что живёт Науэль в рыбацком поселении. Но его судьба меняется, когда он находит магическую книгу, способную исполнить его желания. Правда, волшебный артефакт привлекает внимание могущественного злодея, и Науэлю приходится отправиться в опасное приключение, чтобы спасти своего отца и столкнуться со своими страхами.

В целом сюжет как будто не очень оригинальный. Но интересным этот фильм делает погружение в необычную Южно-Американскую культуру. Сеттинг, мягко скажем, небанальный. И это придаёт истории оригинальность и глубину. Да и, согласитесь, всегда интересно послушать интересные легенды другого народа!

К тому же тут очень приятный визуальный стиль. Анимация сочетает традиционные и современные техники, создавая атмосферу сказки. Тёмные леса, загадочные существа и магические элементы визуально действительно впечатляют. А пейзажи и детали быта рыбацкого поселения оживают благодаря красочной анимации. Да и герои тоже.

Кстати, о них. Сам Науэль предстает не как идеальный герой, а как обычный мальчик с реальными проблемами, что роднит его с рядовым зрителем. Он идёт тропой преодоления своих страхов. И это очень поучительный опыт для каждого. Такие поступки достойны восхищения. И поэтому «Науэль и волшебная книга» вдохновляет зрителя и придаёт уверенности в своих силах. В конце концов из-за того, что мультфильм глубоко исследует темы силы семьи, принятия ответственности и умения преодолевать страхи, он делает каждого его посмотревшего чуточку лучше.

Но даже если смотреть «Науэль и волшебная книга» исключительно как триповый визуал с номинальным сюжетом, он всё равно доставит много удовольствия. Цветовые решения, драйвовая и плавная анимация, красивые бэкграунды и захватывающее приключение – отличная комбинация для стоунера. К тому же – хэй! – если Науэль не умеет плавать, возможно стоит помочь ему, зарядив водный?

Но, если отставить шутки, но «Науэль и волшебная книга» действительно умело балансирует между магией и реальностью. Фантастические элементы тут переплетаются с жизненными уроками, которые актуальны в любом возрасте.

Автор подборки: @Turkeugene

Копирование материала возможно только с письменного разрешения автора и при условии указания источника — @dzagimedia 

Этому трэшовому абсурду недавно исполнилось 37 лет. За это время кино про Ганжазавра уже успели подзабыть. Но в Хэллоуин время выползти всем всратым монстрам, и этот нападает первым!

В своё время «Ганжазавр Рекс» считался культовым фильмом. Безусловно, плохим, но культовым. Впрочем, то же самое можно сказать буквально про любое кино из сегодняшнего списка.

Сюжет «Ганжазавра Рекса» вращается вокруг древнего динозавра, питающегося исключительно каннабисом, который оживает и устраивает хаос в регионе, что вызывает панику у местных жителей, учёных и представителей закона. Собственно, самого Ганжазавра в фильме преступно мало, и он выглядит так, будто его слепил из пластилина соседский ребёнок. Но мы уверены, что тех, кто действительно любит трэшовые фильмы, это только подхлестнёт к просмотру!

Восхитительной режиссурой и вменяемой актёрской игрой тут и не пахнет. Но зато пахнет травкой и эстетикой 80-х. Поэтому «Ганжазавр Рекс» — это полное погружение в эпоху малобюджетных ужастиков и комедийных экшнов 80-х с соответствующей стилистикой, музыкой и анимацией, напоминающей ретро-фильмы про монстров. «Ганжазавр Рекс» рассчитан на любителей старомодных спецэффектов и низкобюджетного, но оригинального кино. Если вы узнаёте себя в этом описании, то в этом фильме вы найдёте немало удовольствия.

Со временем Ганжазавр Рекс (как герой) стал символом накуренного трэша. Он и правда идеально вписывается в рамки необычных персонажей, которые появляются только в фильмах категории B. Этот динозавр стал мемом и иконой для любителей странных, но смешных историй о чудовищах.

«Зловещий Бонг» (Evil Bong, 2006)

Сказать, что среди фанатов трэш-кино «Зловещий Бонг» завоевал культовый статус – считай, что ничего не сказать. Этот трэшовый комедийный хоррор породил – только вдумайтесь! – 7 сиквелов и 2 спин-оффа! Да это же уровень какого-нибудь «Форсажа»! «Зловещий Бонг 2: Кинг Бонг», «Зловещий Бонг 420», «Зловещий Бонг 888: Накур Бесконечности» – это только часть продолжений. В общем, «Зловещий Бонг» стал настоящей классикой трэша, завоевал любовь аудитории и выделился своей оригинальностью.

«Зловещий Бонг» рассказывает о группе друзей, случайно купивших таинственный бонг, обладающий зловещей силой. Этот, казалось бы, безобидный предмет на самом деле оказывается проклятым: каждый, кто курит из него, попадает в параллельный мир — своеобразный ад, где обитают странные персонажи, а в воздухе витает опасность. Фильм построен на абсурдном сюжете, в котором герои сталкиваются с комедийными, часто нелепыми и пугающими ситуациями. Всё это преподнесено с явной самоиронией, благодаря чему «Зловещий Бонг» и стал классикой «накурочного» кино.

Фильм совершенно не пытается быть серьёзным и активно использует элементы чёрного юмора и сатиры, превращая ужасы в комедию. И обратно. И получается так, что зритель одновременно и ощущает себя участником всего происходящего на экране, и смеётся над ужасающей нелепостью происходящего.

Да и к тому же, согласитесь, проклятый бонг как главный антагонист — это необычная находка, которая определённо выделяет фильм. Это не типичный ужастик с привидениями или монстрами, а свежий взгляд (красными глазами-щелками) на жанр. Как раз для тех, кто любит неординарные истории.

Плюсом выступает ещё и уже упомянутая сатира. В том смысле, что это кино высмеивает не только стереотипы о «накурочном» образе жизни, но и сами клише ужастиков. Это придаёт фильму особый оттенок и делает его интересным даже для тех, кто не является поклонником ужасов.

А ещё тут есть камео Томми Чонга, культовой фигуры для всех любителей дунуть!

Дымная тематическая комедия, чёрный юмор, абсурдные повороты сюжета и оригинальная концепция – что ещё нужно?

Высокий рейтинг? Нууу... не сегодня 🙂

«Кокаиновая акула» (Cocaine Shark, 2023)

Вообще, существует целый микрожанр фильмов из серии «хищники под веществами». В него входят много фильмов типа «Метамфетаминовый Аллигатор», «Енот под Крэком», «Кокаиновые Крабы из Далёкого Космоса» и прочие. Почему мы решили выбрать именно «Кокаиновую акулу»? Потому что про фильмы с рейтингом ниже двух говорят вслух!

«Кокаиновая акула» — это очередной малобюджетный ужастик, который появился на волне популярности абсурдных хорроров о животных-убийцах. В центре сюжета — история о наркобароне, который создает новый препарат. Он получает его из акул. Но вот беда: всё это дело вызывает мутации у водных хищников, и они вырываются на свободу и начинают сеять хаос вокруг. Теперь их главная цель — охотиться на всё живое, разрушать и убивать. А люди?... Ну, людям остаётся только лишь бороться за выживание, попутно пытаясь справиться с необычным врагом.

Рейтинг этого фильма — 1.8 из 10. И в то время, как для одних — это «красный флаг», для других — вызов!

Более того, фильм абсурден на самом глубинном уровне. Тут, блин, даже накокаиненных акул из названия нет! Фильм получил такое имя лишь потому что в том же 2023-м году выходил более громкий проект актрисы и режиссёра Элизабет Бэнкс «Кокаиновый Медведь», который даже крутили в кино.

Но и это не весь абсурд этой истории. Нюанс в том, что «Кокаиновую акулу» изначально должна была снимать Элизабет Бэнкс (она даже проявляла интерес), но режиссёр Марк Полония опередил её и, вместо чего-то хотя бы немного адекватного, снял полнейший трэш. У «Кокаинового Медведя» хотя бы рейтинг около 6 из 10.

Но, послушайте, ведь даже трэш начинает выглядеть по-другому, если смотреть на него накуренным взглядом! Здесь много юмора, отсылающего к другим стоунерским и абсурдным фильмам, и это делает «Кокаиновую акулу» нестандартным, но хорошим выбором для компании, вооруженной бонгом и достаточным количеством травы. Ведь за непритязательностью сюжета тут кроется комедийная находчивость.

Пусть фильм вышел и недавно, но он нашёл своих поклонников среди любителей трэш-кинематографа благодаря своей смелости и абсолютной безумности.

«Конопляное Мочилово» (4/20 Massacre, 2018)

Один из самых популярных поджанров фильмов ужасов — это слэшер. И авторы «Конопляного Мочилова» сделали всё, чтобы скрестить комедийный слэшер с канна-тематикой. Получился откровенный малобюджетный трэш, пропитанный приятным дымком.

Сюжет рассказывает историю пяти подруг, решивших отправиться в поход на природу. Они хотят отметить день рождения одной из них. И это мероприятие приходится аккурат на 20 апреля — день, посвящённый каннабису. Девушки стремятся весело провести время, но их уединённый отдых превращается в смертельную охоту, когда на них начинает охотиться таинственный и беспощадный убийца. А тут ещё и плантация травки обнаружилась... В общем, встреча с неизвестным врагом в странном зелёном костюме вынуждает накуренных девушек бороться за свои жизни.

«Конопляное Мочилово» довольно неплохо балансирует между комедией и ужасом. Абсурдного юмора тут ровно столько, чтобы уравновесить классические элементы слэшера. Комедийные моменты не ослабляют напряжение, а наоборот, делают его более контрастным и неожиданным.

Другой плюс «Конопляного Мочилова» заключается в разнообразии персонажей: у главных героинь фильма яркие образы. Их запоминаешь сразу же. Каждая — личность! И, как подобает ярким личностям на экране, за их взаимодействием интересно следить.

Но в целом, конечно, это полный трэш. В интернете шутят, что в оригинальном названии «4/20 Massacre» зашифрован рейтинг этого фильма: 4 из 20. При его просмотре то и дело ловишь себя на мысли, что это так плохо, что уже даже, пожалуй, хорошо. И для киношки под накуренную компанию это действительно ценно. А «Конопляное Мочилово» нарочно сделано клишированным фильмом, который не пытается быть серьёзным ужастиком, а подаёт себя как развлекательный и шутливый слэшер для фанатов канна-комедий и жанра в целом.

«Ад в лягушачьем царстве» (Hell Comes to Frogtown, 1988)

Ну и раз вы пробрались через весь предыдущий трэш, то вот вам действительно необычная рекомендация напоследок.

Фильм «Ад в лягушачьем царстве» ни разу не про ад. Hell из названия — это имя главного героя. Его играет Родди Пайпер, профессиональный канадский рестлер и звезда фантастического фильма Джона Карпентера «Чужие среди нас». Компанию ему составляет актриса Сандал Бергман, которой вы могли любоваться в «Конане-Варваре» со Шварценеггером и в его спин-оффе «Рыжая Соня».

«Ад в лягушачьем царстве» строит свой сюжет на постапокалиптическом сеттинге, абсурдном юморе и эксцентричных персонажах. Действие фильма разворачивается в мире, разрушенном атомной войной, где человечество стоит на грани вымирания. Мужчины становятся всё большей редкостью, а репродуктивная функция населения резко снижается. Главный герой, Сэм Хэлл — один из немногих мужчин, обладающих высокой плодовитостью. Военные власти отправляют его в опасную зону, населенную мутантами-лягушками, чтобы спасти захваченных женщин и помочь человечеству возродиться.

Если вы подумали, что всё это звучит как смесь «Безумного Макса» и «Секс-Миссии», то... вы правы!

На экране то и дело происходит всякая дичь. Родди Пайпер играет накачанного и донельзя маскулинного самца, которого правительство выследило по веренице из беременных женщин, тянущейся после его путешествий. Его миссия — спасти и оплодотворить женщин. Две его помощницы — ученая и военная — обе горячие девушки. А враги — огромные лягушки-мутанты, которые в фильме представлены ростовыми куклами с впечатляющим гримом.

Сэм Хэлл — дерзкий и харизматичный антигерой, и его взаимодействие с мутантами и женщинами создаёт множество комичных ситуаций. Юмор в фильме одновременно простой и необычный, подчеркивающий намеренно дикий тон, что придаёт фильму особый шарм.

Кино — чего уж тут скрывать — выглядит совершенно безумно. Но это именно то безумие, которое отлично смотрится под плотный здоровенный косяк. А лучше даже водный.

Смелый сеттинг, эксцентричные персонажи, юмор, довольно неплохой грим и статус «скрытого культового сокровища категории B» делают «Ад в лягушачьем царстве» действительно интересным и нестандартным вариантом для накуренного просмотра. По крайней мере, положа руку на сердце, признаем, что он лучше, чем все остальные фильмы в этой абсурдной подборке.

И, кстати, если вам покажется мало, то напоследок вкинем вам наводку на то, что у «Ада в лягушачьем царстве» есть два сиквела, которые выходили сразу на видео. Многого ждать от них не стоит, но, мы уверены, что вы это уже поняли и сами.

Заряжайте свои девайсы: отправляемся в полёт через...

5...

– Одно из самых сложных и влиятельных киберпанк-аниме в жанре

4...

– Сюрреалистичные зарисовки о путешествиях молчаливого воина и его птероида над пустыней «Б»

3...

– Культовый сай-фай альманах, основанный на журнале и заложивший основы «Пятого Элемента» и «Любви, Смерти и Роботов»

2...

– Фантастический психоделический триллер в аниме-стилистике

1...

– Сложная, неповторимая и очаровательная французская фантастика о взаимоотношении двух видов

...вперёд!

«Акира» (Akira, 1988)

В восьмидесятых японский писатель Кацухиро Отомо создал мангу «Акира». Она стала невероятно популярной. И несколько лет спустя японские продюсеры задумали экранизировать её. И для этого они сделали одно из самых неочевидных, и при этом верных решений в истории анимации: в кресло режиссёра они позвали самого автора манги. И Кацухиро Отомо создал шедевр на века.

События «Акиры» происходят в футуристическом Токио. Вернее, Нео-Токио. Потому что оригинальная японская столица была разрушена после ядерного взрыва. Катастрофа уже произошла, и главные герои живут в мире, который состоит из технологий, страха и отчаяния. Сюжет сосредотачивается на двух друзьях, Канэде и Тэцуо. Оба они являются участниками байкерской банды. После несчастного случая, у Тэцуо пробуждаются опасные психические способности, которые начинают разрушать его личность и окружающий мир. На фоне борьбы между правительством, научными экспериментами и восстаниями, история постепенно перерастает в грандиозный и трагичный конфликт.

Одним из главных достоинств «Акиры» является его визуальный стиль. Это один из самых детализированных и тщательно прорисованных анимационных фильмов своего времени. Да что там: даже сейчас уровень проработки каждого кадра (отрисованного вручную!) поражает: гиперреалистичная анимация и кинематографические пейзажи с многочисленными движущимися объектами. Это визуальный оргазм, не иначе. Вообще визуальная эстетика «Акиры» повлияла на многие последующие работы, как в анимации, так и в кино. Да и в музыку тоже: в любви к «Акире» расписывался и сам Канье Уэст. Вообще за прошедшие годы это аниме стало иконой мировой поп-культуры. Его визуальные и тематические элементы вдохновили множество других произведений от «Матрицы» до «Призрака в доспехах». Многие считают, что именно этот фильм открыл западной аудитории мир японской анимации.

Сюжет «Акиры» поднимает сложные вопросы о власти, контроле, человеческой природе и последствиях научных экспериментов. Это не просто фантастический боевик, а философское произведение, заставляющее задуматься о роли технологий, разрушении и эволюции человечества. Сюжет может казаться сложным, но он раскрывает темы личностного кризиса, человеческой силы и разрушительной природы власти.

Вообще, говоря откровенно, порой «Акира» действительно кажется слишком сложным произведением, но оно очень круто раскрывается во второй и последующие разы. Поэтому наша вам рекомендация: попробуйте первый свой просмотр сделать максимально дымным, чтобы сполна ощутить силу все атмосферы этого фильма. А уж потом, если вам понравится ваш багаж впечатлений, посмотрите «Акиру» на трезвую (или чуть менее накуренную) голову, чтобы разложить всё по полочкам.

Отдельно хочется отметить музыкальное сопровождение — это вообще отдельное произведение искусства. Композитор Сёдзи Ямасиро использовал уникальные инструменты и звуки, чтобы создать гипнотический, почти мистический звуковой фон, усиливающий напряжённую атмосферу фильма.

«Акира» — один из первых фильмов, который вывел аниме на мировую арену как серьёзный жанр. К тому же эта лента считается одним из главных анимационных произведений в жанре киберпанка. Это не просто экшн со зрелищными взрывами, а глубокая и эмоциональная картина с философскими подтекстами. А ещё «Акира» вдохновляет. Даже спустя много лет. Особенно спустя столько лет!

«Арзак» (Arzach, 2002)

«Арзака» многое роднит с «Акирой». Оба выросли из комикса, обе анимации поставили сами авторы-художники, оба произведения — культовые анимационные ленты своих эпох. И пусть, конечно, культ Арзака не может посоперничать с популярностью «Акиры», но во многом он уложит аниме Кацухиро Отомы на лопатки. Например, по части сюрреалистичности происходящего на экране вряд ли что-то сможет поспорить с «Арзаком», потому что эта анимационная адаптация комиксов Жана Жиро (он же Мёбиус), снятая им же самим, не раз вывернет перед вами реальность наизнанку. И вам это понравится!

Впервые персонаж Арзак появился в 1975 году в журнале «Metal Hurlant». Этот французский альманах комиксов стал предтечей другого культурного феномена, журнала «Heavy Metal», к которому мы вернёмся чуть позже. Мультфильм «Арзак» рассказывает о загадочном воине, который путешествует по довольно мрачным пейзажам на гигантском птероиде. Арзак носит характерную широкополую шляпу и длинный плащ, а сам мир, в котором он действует, полон необычных существ, фантастических ландшафтов и странных событий.

Визуальная эстетика Мёбиуса является одной из главных причин, почему стоит посмотреть «Арзака». У Жана Жиро был действительно свой очень необычный и выделяющийся стиль рисовки, который он смог передать и в анимации. Его визуальные работы, представленные в комиксе и мультфильме, поражают своими деталями и особенно – изобретательностью. Пейзажи и миры, созданные Мебиусом, выглядят одновременно чуждыми и захватывающими, что погружает зрителя в уникальную атмосферу. «Арзак» — это настоящая демонстрация его мастерства в создании футуристических и сюрреалистических миров.

А ещё этот мультфильм практически лишён диалогов. Это делает его ещё более загадочным и мистическим. Плюс это способствует глубокому погружению в визуальный и эмоциональный аспект истории. Особенно по накуру. Формат четырёхминутных эпизодов не даёт заскучать, а сюжетные повороты реальности, остающиеся без объяснения, позволяют зрителю самому интерпретировать мотивы и мысли героя. Именно эта недосказанность, пространство для воображения, делают «Арзака» по-настоящему необычным опытом.

«Арзак» – очень абстрактный кинематографический опыт. Это полёт безграничной фантазии. Это особенный подход к креативности. В целом, тут такой мир, что на экране возможно всё. И этой вот уникальной атмосферой свободы «Арзак» особенно хорош.

«Тяжёлый металл» (Heavy Metal, 1981)

Сразу следует сказать, что «Тяжёлый металл» берёт корни в комиксах. Сперва был французский проект «Metal Hurlant», потом появилась его англоязычная версия «Heavy Metal», которая обросла огромным культом. И там, и там печатались комиксы для взрослых. Там не было никаких стоп-слов для жестокости, секса, насилия и полёта фантазии. Только чистый креатив лучших комиксистов своего времени. И эти свободные истории долгое время будоражили умы кинематографистов.

И вот продюсер по имени Айвен Райтман (тот самый, который снял две первые части «Охотников за привидениями» и спродюсировал десятки крутых фильмов от «Дорожного приключения» до «Бетховена») действительно загорелся идеей сделать анимационный фильм по нескольким комиксам из своего любимого журнала. Для этого он нанял режиссёра Джеральда Поттертона, который в течение многих месяцев координировал работу более тысячи художников, аниматоров и техников из семнадцати стран. Среди них были такие художественные мастодонты как Луис Ройо и Хуан Химинес

В итоге получился культовый мультфильм, состоящий из нескольких коротких историй, связанных общей темой загадочного зелёного шара Лок-Нар, символизирующего абсолютное зло. Лок-Нар путешествует по вселенной и разрушает жизни разных персонажей, в результате чего зрители видят фантастические миры, переполненные насилием, магией, наукой и эротикой.

Что особенно круто, каждая история выполнена в своём художественном стиле, отражающем разнообразие жанров и подходов к анимации. Особый упор тут делается на элементы киберпанка, космических приключений, тёмного фэнтези и постапокалипсиса. А ещё какой же «Тяжёлый металл» без соответствующей музыки? За саундтрек тут отвечают великие рокеры от Black Sabbath и Blue Oyster Cult до Devo и Grand Funk Railroad. От этого «Тяжёлый металл» только выигрывает в плане энергетики.

Этот мультфильм не боится экспериментировать с разными жанрами и стилями. И благодаря этому «Тяжёлый металл» интересно смотреть буквально каждому, кто любит фантастические и мрачные истории. И этот мульт не боится показывать взрослый контент. «Тяжёлый металл» довольно безапелляционно заявляет, что анимация не должна быть исключительно детским жанром. И, учитывая 1981-й год выпуска, это было действительно довольно смелое заявление.

Как, собственно, смелым был и сам подход к форме анимационного альманаха: мультфильм был экспериментальным проектом, который раздвинул границы того, что могла предложить анимация. Новаторство «Тяжёлого металла» стало символом контркультуры, исследуя табуированные и жестокие темы с помощью выразительных визуальных образов.

В общем, «Тяжёлый металл» – это знаковая веха для любителей научной фантастики, фэнтези и тяжёлой музыки. Если причисляете себя к ним – добро пожаловать на борт нашего космического корабля!

«Паприка» (Paprika, 2006)

«Паприка» занимает особое место в сердце каждого любителя аниме. Во-первых, потому что его создатель Сатоси Кон – искусный визионер, создавший несколько шедевров, каждый из которых собрал вокруг себя огромную базу фанатов. Во-вторых, дело в том, что «Паприка» сама по себе - выдающееся произведение искусства. Это визуальное пиршество, сюрреалистичная одиссея и торжество воображения.

«Паприка» вышла в 2006 году. Она основана на одноимённом романе Ясутаки Цуцуи. По жанру это фантастический триллер с весомой долей психоделики и научной фантастики. Здесь исследуется природа снов, реальности и человеческого сознания. Сюжет вращается вокруг революционного устройства, которое позволяет людям проникать в сны друг друга. Главная героиня, доктор Ацуко Тиба, использует свой альтер-эго по имени Паприка для того, чтобы помогать пациентам лечить психологические проблемы. Однако, когда устройство оказывается украдено, границы между сновидениями и реальностью начинают размываться, что приводит к хаосу.

Если это описанию сюжета навеяло вам синопсис фильма «Начало», то вы близки к истине. Кристофер Нолан признавал, что красочная фантазия «Паприки» была для него источником вдохновения. Более того, голливудский фильм открыто заимствует ряд сцен из японского аниме. Но нюанс в том, что, если «Начало» более структурировано и дружелюбно, «Паприка» не церемонится со зрителем и берёт его прямо за веки, закидывает в гущу визуальной магии и не отпускает до самого конца. Это как самородок, неогранённый бриллиант, с которым нужно обращаться аккуратно, иначе получишь порезы на мозге. Однако при этом стиль анимации Сатоси Кона придает сюжету удивительную глубину, делая каждую сцену эмоционально насыщенной и захватывающей.

И это идеальный сеттинг для того, чтобы раскуриться перед просмотром. Причём, плотно так раскуриться. Всё равно с первого раза «Паприку» раскусить сложновато. Фильм погружает зрителя в сложные вопросы о том, где заканчивается сон и начинается реальность. А в таких вопросах иногда очень необходим крепкий джоинт. Он как ваш личный Вергилий проводит вас в исследование тонкой границы между сознанием и подсознанием. «На высоте» это аниме смотреть – одно удовольствие. Сразу погружаешься в многослойность художественных иллюзий и начинаешь задумываться о природе восприятия. В общем, это кино для тех, кто любит задавать глубокие философские вопросы и искать ответы.

«Фантастическая Планета» (La Planete sauvage, 1973)

В начале семидесятых французский режиссёр Рене Лалу в сотрудничестве с художником Роланом Топором создал мультфильм «Фантастическая Планета», равного которому до тех пор в Европе не было. Более того, эта анимация для взрослых стала первым полнометражным мультфильмом, снятым французским режиссёром.

Действие мультфильма разворачивается на далёкой планете Игам, населённой гигантскими синими существами, известными как Драаги. Человечество в этом мире представлено крошечными существами, называемыми Омами, которых Драаги держат в качестве домашних животных и игрушек. Однако однажды Омам удаётся восстать против своих хозяев. И это приводит к борьбе за выживание и свободу.

Возможно, сейчас «Фантастическая Планета» и не смотрится настолько революционно, как полвека назад, но оно и понятно: технологии шагнули очень далеко вперёд. Но, тем не менее, один из самых значимых аспектов этой анимации — это её неповторимый художественный стиль. Художник-постановщик Ролан Топор создал по-настоящему сюрреалистичные и абстрактные изображения, что придаёт фильму ощущение, будто смотришь на оживший фантасмагорический рисунок. Нереальные, причудливые пейзажи и необычные создания подчеркивают инопланетную и чуждую природу мира Игам, вызывая ощущение странности и загадочности.

К этому же добавляется и аллегорический сюжет о социальных и политических вопросах типа угнетения, рабства и борьбы за свободу. История взаимоотношений между Драагами и Омами рассматривает темы колониализма, подавления меньшинств и революции. Так что фантастика фантастикой, но рассматривать «Фантастическую Планету» во многом необходимо как социальное высказывание, которое побуждает к размышлению о неравенстве и человеческой природе.

Отдельный кайф – саундтрек Алена Гораге. Звуковой ряд дополняет сюрреалистические образы и усиливает ощущение погружения в странный и необычный мир. Причём, саундтрек включает элементы джаза и психоделики, и от этого он за полвека не устарел ни на день, и по-прежнему слушается очень хорошо. Ну а в самом фильме он подчеркивает абстрактный характер сюжета и его психоделическую эстетику.

Возможно, «Фантастическая Планета» – не самый сильный фильм в сегодняшней подборке, но совершенно точно – один из наиболее влиятельных. С дымком он смотрится совершенно по-особому. А небольшой хронометраж (чуть более 70 минут) делает его хорошим вариантом, чтобы посмотреть что-нибудь на пике эффекта от какого-нибудь нового крепкого штамма ароматной травки.

Прошлые подборки: часть 1, часть 2, часть 3, часть 4, часть 5, часть 6, часть 7, часть 8, часть 9, и тематическая подборка на 420.

Автор подборки: Turkeugene