Дэдпул торчит дома: Райн Рейнольдс сыграет в сиквеле культового фильма 90-х

«Поцелуй навылет» («Kiss Kiss Bang Bang», 2005)

Есть фильмы, которые приходят не вовремя, но остаются навсегда. «Поцелуй навылет» именно такой. Это криминальная комедия, которая в 2005 году проскользнула мимо широкой публики, оставив только шорох хороших рецензий и рекомендации довольных, но редких зрителей. Сегодня это — культовая в определённых кругах история про глупость, насилие, дружбу и смертельно опасный Лос-Анджелес, где каждый второй — актёр, каждый третий — убийца, а каждый четвёртый — всё сразу.

Режиссёром тут выступил Шейн Блэк, сценарист с биографией, как у персонажа собственного сочинения. Он написал «Последнего Киногероя», «Смертельное Оружие», «Последнего Бойскаута» и множество других культовых историй, из которых потом создали отличные фильмы. «Поцелуй навылет» — режиссёрский дебют Блэка. И надо сказать, что он врывается в режиссуру с хулиганской уверенностью. Шейн пересобирает нуар как детский конструктор: оставляет ненадёжного рассказчика, роковую красотку, грязную тайну и пару трупов, но добавляет к этому стендаперский ритм, метаиронию и нежную, хоть и циничную, любовь к жанру. В результате получается коктейль, где классика 40-х смеётся над собой, попивая бурбон с антидепрессантами.

Главное богатство фильма — его персонажи. Роберт Дауни-младший, ещё до своей эпохи Железного Человека (но уже после рехаба), играет здесь в лучшей форме: его Гарри Локхарт — вор, по ошибке оказавшийся на кинопробах, — это смесь Чаплина, Вуди Аллена и спаниеля, которому постоянно прилетает по носу. Он искренне хочет быть лучше, но всё валится из рук, а пистолеты стрелять не перестают. Вэл Килмер — частный детектив и стойкий профессионал — исполняет роль, за которую его стоило бы навечно вписать в пантеон второго плана.

Диалоги в фильме — это отдельный разговор. Они остроумны, резвы и бьют прямо в сердечко. При этом это не юмор ради юмора, он часть механизма, с помощью которого фильм удерживает равновесие между фарсом и трагедией. Смерть, подлость, детская травма, насилие — всё это здесь есть, но подано с таким тонким балансом, что зритель успевает посмеяться, прежде чем поймёт, что юмор-то мрачноватый донельзя.

Визуально картина проста, но не примитивна. Лос-Анджелес показан не как солнечный рай, а как мираж — город, в котором глянцевая обложка скрывает гнильцу. Вечеринки полны пустых людей, а блестящий Голливуд оказывается декорацией, где правда — лишь сценарный черновик, валяющийся где-то около мусорной корзины.

«Поцелую навылет» удаётся быть всем сразу: детективом, фарсом, комментарием о кино-бизнесе, историей искупления, дружбы и легкой безуминки. Но он не стремится нравиться всем — и это его достоинство.

«Город грехов» («Sin City», 2005)

Наверное, все помнят «Город грехов». Но когда вы пересматривали его последний раз? А будучи накуренными? Да, возможно, «Город грехов» сейчас и не будет выглядеть так же революционно, как 20 лет назад, но он по-прежнему поражает своей креативностью и минималистичной красотой каждого кадра.

Говорят, что это образцовый перенос комикса в кино. Причём, такого комикса, который долгое время считался абсолютно неэкранизируемым. Но изобретательный Роберт Родригез сделал невозможное. Картинка поражает сразу же. Она чёрно-белая, но не скучно-ностальгическая, а дерзкая и стильная: каждая капля крови — как художественный мазок, каждая вспышка красного или жёлтого в дождливом монохноме — как пощёчина глазу. Реализмом, как в некоторых других фильмах этого списка, тут и не пахнет. наоборот, «Город грехов» — это гиперстилизованная симфония насилия, в которой каждый кадр — как панель из графического романа: выверенная, замершая и при этом дико живая. Глубина тут не в спецэффектах, а в порезах, шрамах и взглядах, от которых хочется либо закурить, либо помолиться.

Но так-то «Город грехов» можно рассматривать не только с точки зрения визуальных восторгов. Это ещё и энциклопедия человеческой темноты, поданная с гипертрофированной честностью. Каждый герой тут —яркий персонаж. И три истории представляют «Город грехов» с разных сторон. Марв — каменный здоровяк с лицом Микки Рурка и душой распятого волка, Дуайт — контуженный рыцарь без доспехов, но с планом (нет, не тем), а Хартиган — принципиальный полицейский, которого давно пора списать, но он всё ещё держит руль жизни, хотя дороги уже нет. Первый выбирает путь мести, второй борется за выживание, а третий хочет довести дело до конца. Не все истории закончатся хорошо. Но каждая оставит свой след. Ну и женщины здесь — ох! — каждая символизирует то гнев, то страсть, то предательство, то нежность, то революцию. Все смертельно прекрасны!

Сценарий «Города грехов» не особо церемонится: мораль — роскошь, совесть — дорогая игрушка, а справедливость вырывается зубами, потому что закон давно мёртв. Как кто-то однажды хорошо сказал, Город Грехов — это ад, в котором дьявол устал, и теперь власть у тех, кто готов быть хуже него.

Особенно хорошо «Город грехов» раскрывается, если хорошенько дунуть перед просмотром. Экран просто притягивает к себе, а стильная чёрно-белая картинка надолго остаётся в памяти. Во второй части «Города грехов» уже было мало души, но вот в первом фильме её сполна.

«Стрингер» («Nightcrawler», 2014)

Фильм «Стрингер» — это точный и тревожный взгляд на мир, где новость ценится не за правду, а за зрелищность. Это история о человеке, который превращает человеческие трагедии в товар, не испытывая при этом ни капли сомнения. Лу Блум — герой неудобный, пугающий, но оттого ещё более интересный. Можно сказать, что он нарушает правила. Но, скорее, он просто их не признаёт.

Джейк Джилленхол в этой роли великолепен. Кстати, так вышло, что Джилленхолл играет в трёх из пяти фильмов сегодняшней подборки. В начале нулевых он по-особенному раскрылся, как безумно талантливый актёр. И в «Стрингере» он как раз показывает всё, на что способен. Его герой полностью лишён эмпатии, но при этом невероятно умен. Лу — социопат и самоучка, который читает мотивационные книги и ведёт себя как менеджер года, но делает это, чтобы продавать кадры с мест преступлений. Его взгляд — острый и холодный; он не участвует в жизни, он её снимает. И это один из самых сильных образов в карьере Джейка.

В «Стрингере» всё работает на атмосферу. Даже Голливудские Холмы Лос-Анджелеса здесь предстают не столько городом мечты, сколько обычными декорациями к бесконечной ночной гонке за сенсацией. Улицы безлюдны, диалоги экономны, и каждый кадр построен так, чтобы подчеркнуть отчуждение. Режиссёр Дэн Гилрой делает акцент не на действии, а на наблюдении: он показывает, как легко переступить черту — и как быстро это перестаёт казаться чем-то необычным.

Фильм неспешен, но напряжение нарастает с каждой сценой. Лу учится, адаптируется, а затем использует систему на полную мощность. И самое тревожное в том, что у него получается. Его успех — это зеркальное отражение спроса: мы потребляем плохие новости, он поставляет. И в этом — главная сила «Стрингера».

Посмотришь такое кино, и отношение к новостям меняется. Сразу начинаешь понимать, как и зачем они делаются. В некотором роде это даже можно назвать терапией: один раз посмотришь такое вот напряженное и поучительное кино, и дальше хочется пореже заглядывать в новостную ленту. В эпоху думскроллинга это особенно важно. Особенно на руку играет то, что фильм построен на невольном сопереживании: в какой-то момент ловишь себя на мысли, что будто бы находишься рядом с главным героем в машине, когда он ищет следующий инцидент.

Но, тем не менее, «Стрингер» не столько про журналистику, или про криминал. Это фильм о современном человеке, оказавшемся один на один с системой, которую он решил обойти, а в итоге — освоил до совершенства. Он не зовёт к выводам, он просто показывает, как всё устроено. А мы — курим и смотрим.

«Под покровом ночи» («Nocturnal Animals», 2016)

«Под покровом ночи» — это тонкая и многослойная работа. Она говорит сразу на нескольких языках: эстетики, боли, воспоминаний и мести. Фильм снял Том Форд, и это удивительно. Потому что вообще-то Форд — один из самых известных мировых модельеров. «Под покровом ночи» — его второй фильм, но он сразу же получил «Гран-при жюри» на Венецианском кинофестивале. И это очень заслуженно! Потому что фильмы такого уровня обычно создают именитые мастера кино, но никак не люди из другой сферы. Тем этот фильм и интереснее.

Тому Форду удалось перенести на экран внутренний диалог человека, который однажды сделал неверный выбор, но слишком поздно осознал его последствия. Внешне холодный и выверенный, фильм постепенно раскрывает скрытую под поверхностью эмоциональную воронку.

Сюзан, героиня Эми Адамс, живёт в идеально оформленной, но душной реальности. Она окружена искусством, дорогими объектами и умолчаниями. И именно на фоне этого почти стерильного существования появляется рукопись бывшего мужа. И это чтение превращается в медленное возвращение к тому, от чего Сюзан когда-то отказалась, думая, что поступает правильно.

Фильм работает сразу в двух пространствах — в реальности Сюзан и в вымышленном мире романа. И оба уровня одинаково важны. Один — о внешнем контроле и подавленности, другой — о гневе, утрате и внутренней борьбе. Джейк Джилленхол играет и автора, и героя романа, что делает восприятие ещё более тревожным: не сразу понятно, где заканчивается вымысел и начинается исповедь.

Особенно цепляет мрачный и захватывающий мир романа. Ситуация, которая разворачивается там на ночной дороге, напряженная и пугающая. И пугает она именно своим реализмом, поданным настолько красиво и искусно, что весь фильм сидишь на краешке стула и ждёшь развязки.

Но в «Под покровом ночи» хорошая не только режиссура. Актерская работа здесь тоже безупречна: Джилленхол и Адамс передают эмоции без лишних слов, почти телепатически. Майкл Шеннон, как всегда, добавляет в кадр сухой огонь. Его персонаж полицейского, странный и прямой, становится голосом мрачной справедливости. Каждый герой здесь носит свои травмы на лице, но не показывает их напрямую — как будто боится лишить себя остатков контроля.

Ну и невозможно не упомянуть визуальный стиль. Всё-таки Том Форд — дизайнер. И его строгая и элегантная эстетика здесь подчеркивает и красоту, и пустоту. Каждый кадр хорош. И именно в этом ощущается тревога: за красивой обёрткой давно нет ничего живого.

«Пленницы» («Prisoners», 2013)

«Пленницы» — один из тех фильмов, которые начинаются с простой завязки, но постепенно обнажают под ней тяжёлую, вязкую моральную трясину. По сюжету тут пропадает ребёнок. Исчезает — и всё тут. Может показаться, что всё с этим фильмом понятно: будет поиск, напряжение, развязка. Но у Дени Вильнёва (да, тот самый, что снял «Дюну») не бывает никаких «просто». Он упрямо уводит зрителя от жанровых ожиданий и заставляет задуматься не только о справедливости, но и о том, что мы готовы с ней сделать, когда становится совсем больно.

Главный герой, сыгранный Хью Джекманом, — обычный человек. Он не идеальный отец, но его боль выливается в действия, которые сложно оправдать, но невозможно не понять. Джекман играет не гнев — он показывает медленно закипающее отчаяние, в котором исчезают границы между «можно» и «нельзя». И это до дрожи шокирующе работает: ты не столько сочувствуешь, сколько ощущаешь внутреннюю дрожь от узнавания, насколько тонка человеческая оболочка. И охереваешь ещё, сидя, опять же, на краешке стула.

Противоположный полюс — детектив Локи в исполнении нашего бро Джейка Джилленхола. Сдержанный, внимательный, с едва заметным тремором за внешней собранностью, он не герой действия, а человек, который наблюдает, собирает, выжидает. Его неспешность — не слабость, а профессиональная выдержка, за которой скрыта усталость от того, как устроен этот мир. Контраст между двумя героями — метафора двух разных способов переживать зло: ломая его или изучая.

«Пленницы» очень зайдут тем, кто любит слоубёрнеры и скандинавские триллеры, где нет ни чистого зла, ни однозначного добра. Есть мрачный лес, в котором пропадают дети — буквально и метафорически. И чем глубже зритель погружается в эту историю, тем больше вопросов остаётся. Один из самых тревожных — как далеко может зайти человек, если уверен, что действует во благо? И что останется от него самого после?

Вильнёв строит саспенс не на резких поворотах, а на гнетущей атмосфере. Камера Роджера Дикинса (ещё один великий мастер кино!) задерживается на деталях, на лицах, на домах, в которых ничего не происходит, но которые кажутся пропитанными напряжением. Визуальный стиль будто подсказывает: зло не живёт в подвалах — оно рядом, в тишине, в ничем не примечательных улицах, где однажды просто кто-то не вернулся домой.

Вот и получается, что «Пленниц», скорее, можно было бы назвать развернутой психологической драмой о границах морали. Здесь есть вопросы, на которые каждый зритель вынужден ответить сам. И это делает фильм по-настоящему сильным.

Автор: @Turkeugene

Уже смотрели что-то из списка? Тогда отпишите в комменты, как вам!

Еще почитать:

Кот-призрак Андзу (Bakeneko Anzu-chan, 2024)

Самый свежий мультфильм в нашем сегодняшнем списке – это «Кот-призрак Андзу». Этот мультик (а точнее аниме) можно смело рекомендовать всем, кто неравнодушен к шедеврам прославленной японской студии Ghibli. Да и, чего греха таить, «Кот-призрак Андзу» порой очень уж напоминает культовых «Унесённых Призраками». Только он более беспечный и дурашливый.

История этого атмосферного анимационного приключения, которое сочетает японский фольклор с доброй комедией, разворачивается вокруг маленькой девочки Карин. Её отправляют жить к дедушке-монаху в деревню. А Анзу, очаровательный кот-призрак, который обитает в старом святилище, становится буквально её опекуном. И им предстоит отправиться в другой мир и пройти множество приключений вместе с другими очаровательными персонажами.

Вообще «Кот-призрак Андзу» доверху насыщен японскими мифами, которые сталкиваются с современностью. И аниматорам удалось сделать этот мир одинаково интересным и для зрителей, незнакомых с японской культурой, и для тех, кто уже знает наизусть все мультики Ghibli. Яркая цветовая палитра тоже подчеркивает магическую атмосферу.

Про неё вообще стоит упомянуть отдельно, потому что «Кот-призрак Андзу» – невероятно яркий мультфильм. Вот есть такое выражение «конфетка для глаз» – это как раз такой случай. Подкуренным такое красочное пиршество вообще воспринимается особенно круто. И не в последнюю очередь благодаря забавному и очаровательному главному персонажу.

Анзу — кот с ярким характером, сочетающий проказливость, мудрость и душевность. Его можно сравнить с эдаким анимационным Джеффри Лебовски, который выруливает из разных ситуаций на своём дзене. Его шалости и взаимодействие с детьми и другими персонажами всё время вызывает улыбку. Ну и прикольно представлять, что этот огромный кот всегда накурен 🙂 Как, собственно, и тот зритель, который за ним наблюдает.

Но вообще за приколами и ярким визуалом тут скрывается и много интересных тем: что значит отпустить прошлое, как принять свои ошибки и как найти семью там, где ты меньше всего её ожидаешь. Согласитесь, довольно актуальные вопросы для большинства. Вот и мультик в лучших традициях японских шедевров балансирует между легкостью юмора и серьезностью эмоционального подтекста. А ещё вдобавок раскрывает духовную красоту японской культуры.

«Пиноккио» Гильермо дель Торо» (Guillermo del Toro's Pinocchio, 2022)

Гильермо дель Торо долгое время оставался специфическим режиссёром «не для всех». Но после того, как ему присудили премию Оскар за фильм «Форма Воды», его творчество полюбили многие. А сам Дель Торо получил карт-бланш по многим своим «проектам мечты». И один из них был экранизацией классической истории Карло Коллоди. И в прочтении Гильермо Дель Торо она оживает в формате кукольной анимации, повествование приобретает особенный художественный стиль, глубокую эмоциональную составляющую и философские размышления о жизни, любви и смертности.

Завязка сюжета тут довольно стандартная: всё-таки все знакомы с историей про Пиноккио или хотя бы Буратино. Действие мультфильма происходит в Италии 1930-х годов, в эпоху фашизма. Старый плотник Джеппетто, сломленный утратой своего сына, в момент отчаяния вырезает деревянную куклу, которая магическим образом оживает. Пиноккио — это непослушный, но любопытный мальчик, ищущий своё место в мире, где его постоянно сравнивают с идеалом, которого он не может достичь. Мультфильм исследует темы отцовства, индивидуальности и человеческой природы.

А уникальности ему придаёт стиль анимации. Ведь фильм выполнен с использованием сложной кукольной техники, которая выделяется текстурой и реализмом. Каждая сцена буквально излучает внимание к деталям, характерное для Дель Торо. Он мастерски сочетает мрачную атмосферу с юмором и теплотой, превращая сказку в глубокую метафору жизни.

Но, конечно, в одиночку Гильермо не справился бы. А команда у него подобралась очень достойная! Композитор Александр Деспла создал запоминающийся саундтрек, а актёры озвучки, включая Юэна Макгрегора, Кристофа Вальца, Рона Перлмана и Тильду Суинтон, эмоционально оживляют персонажей.

Несмотря на то, что этот мультфильм можно смотреть и с детьми, не стоит думать, что он скучный или дурацкий. Наоборот. «Пиноккио» Гильермо Дель Торо» исследует сложные темы вроде принятия потерь, поиска смысла в мире и вопросов морального выбора. Если вы любите философские размышления под крепкий джоинт, то это то, что надо.

Ведь «Пиноккио» Гильермо Дель Торо» выделяется среди других адаптаций своим смелым переосмыслением этой классической истории. Вместо того чтобы просто повторять известный сюжет, Дель Торо использует его как основу для исследования сложных тем, добавляя готические элементы и социально-политическую сатиру. Вот и выходит, что фильм искусно балансирует на грани между сказкой и трагедией. Он не боится быть взрослым, заставляя задуматься о смысле жизни и ценности любви. Это в полной мере произведение искусства, которое обращается и к сердцу, и к разуму, оставляя глубокое послевкусие.

В общем, если решите посмотреть «Пиноккио» Гильермо Дель Торо», то будьте готовы к мощной аллегории, которая, как и лучшие произведения Дель Торо, исследует уязвимость человеческой души. «Пиноккио» поднимает вопросы, которые остаются актуальными для всех возрастов, и напоминает, что быть несовершенным — это и есть человеческое.

«Маленький Николя» (Le petit Nicolas: Qu'est-ce qu'on attend pour être heureux?, 2022)

Бывают такие фильмы, по первому взгляду на которые становится понятно, что это будет что-то очаровательное. Вот «Маленький Николя» как раз такой. Эта анимация основана на знаменитых и культовых во Франции произведениях писателя Рене Госинни и художника Жан-Жака Семпе. И интересный момент в том, что «Маленький Николя» не только оживляет мир любопытного и озорного мальчика, но и становится трогательной данью творцам, стоящим за его историей. Они также являются главными героями.

Собственно, поэтому у мультфильма есть два слоя повествования, между которыми зрителю и предлагается переключаться. Первый — это история о приключениях Маленького Николя, его друзьях и повседневной жизни в уютном французском городке. Эти истории наполнены озорством, мечтами и детской непосредственностью. Каждый проходил через что-то похожее в детстве. Второй слой — это биографические моменты из жизни Госинни и Семпе, показывающие, как их дружба, опыт и личные воспоминания вдохновляли создание этого яркого и непосредственного персонажа.

Вот так вот через динамичное сочетание реальности и вымышленного мира, мультфильм и показывает, как детство становится неисчерпаемым источником радости, юмора и вдохновения. А помогает ему в этом особенный стиль анимации: Иллюстрации Семпе оживают на экране в теплых пастельных тонах, идеально передающих атмосферу наивности и безмятежности детства. А эпизоды с Николя и вовсе изображены на белом холсте, что нарочно подчеркивает атмосферу творчества, которое остаётся на бумаге. Ну или сбегает оттуда: Маленький Николя и так может.

Во главе тут стоит душевное повествование. Мультик балансирует между ностальгией по детским дням и рефлексией о сложностях взрослой жизни. Таким образом создаётся многослойная история, которая способна тронуть зрителей любого возраста. А искренний, лёгкий юмор без злобы и тепло, исходящее от персонажей, создают ощущение уюта и радости. Мультфильм совсем недлинный (он длится меньше полутора часов), так что он ощущается как заброс в какое-то беззаботное детство.

И этим «Маленький Николя» и объединяет поколения, напоминая о важности дружбы, мечтаний и маленьких радостей жизни. Он бережно сохраняет дух оригинальных книг, добавляя к ним визуальное великолепие и эмоциональную глубину. Метафоричность «Маленького Николя» и универсальность делают его подходящим как для семейного просмотра, так и для тех, кто под косячок хочет окунуться в ностальгию. Счастливый билет в детство.

Папин дракон (My Father's Dragon, 2022)

Мультфильм «Папин дракон» — это трогательная и волшебная анимационная адаптация одноимённой классической детской книги Рут Стайлс Ганнетт. Фильм сделала выдающаяся современная сказочница Нора Туми, которая известна, например, по совместной работе с другим анимационным волшебником Томмом Муром над мультфильмом «Тайна Келлс».

«Папин дракон» рассказывает историю мальчика по имени Элмер, который, стремясь помочь своей матери и найти новое место для жизни, оказывается на мистическом острове, полном фантастических существ. И на острове он встречает дракона по имени Борис, который нуждается в помощи. Вместе они отправляются в опасное и лихое приключение, чтобы раскрыть собственный потенциал и, конечно, спасти... не мир, но остров.

«Папин дракон», как и другие работы Томма Мура и Норы Туми, уникален своим подходом к анимации. Он действительно какой-то особенный. Богатые текстуры, живые цвета, детализированные персонажи. И всё вместе это создаёт атмосферу волшебства и сказки. При этом мультик исследует важные темы, которые актуальны и для детей, и для взрослых. Это страх перед переменами, сила дружбы и важность веры в себя. Поэтому «Папин дракон» трогает зрителей своим искренним подходом к детским переживаниям.

Да и к тандему Элмера и Бориса довольно быстро привыкаешь. Это невероятно симпатичная пара героев, чьи различия только укрепляют их связь. Их взаимодействие наполнено как юмором, так и трогательными моментами. В анимационных лентах такое особенно хорошо удаётся. К тому же тут очень интересный, если не сказать захватывающий сюжет, сказочные элементы и универсальные темы. Поэтому, как и остальные фильмы в этой подборке, он хорошо подходит для всей семьи.

Но даже в отрыве от семейного просмотра, иногда очень приятно вернуться в детство хотя бы душой. Немного травки помогает разгрузить мозг, сняв с него бремя ответственности. И в таком состоянии «Папин дракон» заходит особенно хорошо. Сразу представляешь себя невидимым спутником Элмера и Бориса. К тому же этот мульт не только развлекает, но и вдохновляет. Иногда полезно себе напомнить, что сила доброты, решительность и фантазия могут помочь преодолеть самые разные трудности. Это вселяет веру в собственные силы.

Обратите внимание на «Папиного дракона», если вы цените красивые истории о дружбе, семье и поиске своего места в мире. И непременно посмотрите хотя бы трейлер, потому что этот мультфильм действительно выделяется своим визуальным великолепием. Оно тут совершенно особенное.

Науэль и волшебная книга (Nahuel y el Libro Mágico, 2022)

Мультфильм «Науэль и волшебная книга» открывает дверь в магический мир чилийского фольклора. А ещё через анимацию помогает проработать свои страхи и внутренние сомнения.

Сюжет рассказывает о Науэле. Так зовут мальчика, который боится моря. И это осложняет его жизнь, потому что живёт Науэль в рыбацком поселении. Но его судьба меняется, когда он находит магическую книгу, способную исполнить его желания. Правда, волшебный артефакт привлекает внимание могущественного злодея, и Науэлю приходится отправиться в опасное приключение, чтобы спасти своего отца и столкнуться со своими страхами.

В целом сюжет как будто не очень оригинальный. Но интересным этот фильм делает погружение в необычную Южно-Американскую культуру. Сеттинг, мягко скажем, небанальный. И это придаёт истории оригинальность и глубину. Да и, согласитесь, всегда интересно послушать интересные легенды другого народа!

К тому же тут очень приятный визуальный стиль. Анимация сочетает традиционные и современные техники, создавая атмосферу сказки. Тёмные леса, загадочные существа и магические элементы визуально действительно впечатляют. А пейзажи и детали быта рыбацкого поселения оживают благодаря красочной анимации. Да и герои тоже.

Кстати, о них. Сам Науэль предстает не как идеальный герой, а как обычный мальчик с реальными проблемами, что роднит его с рядовым зрителем. Он идёт тропой преодоления своих страхов. И это очень поучительный опыт для каждого. Такие поступки достойны восхищения. И поэтому «Науэль и волшебная книга» вдохновляет зрителя и придаёт уверенности в своих силах. В конце концов из-за того, что мультфильм глубоко исследует темы силы семьи, принятия ответственности и умения преодолевать страхи, он делает каждого его посмотревшего чуточку лучше.

Но даже если смотреть «Науэль и волшебная книга» исключительно как триповый визуал с номинальным сюжетом, он всё равно доставит много удовольствия. Цветовые решения, драйвовая и плавная анимация, красивые бэкграунды и захватывающее приключение – отличная комбинация для стоунера. К тому же – хэй! – если Науэль не умеет плавать, возможно стоит помочь ему, зарядив водный?

Но, если отставить шутки, но «Науэль и волшебная книга» действительно умело балансирует между магией и реальностью. Фантастические элементы тут переплетаются с жизненными уроками, которые актуальны в любом возрасте.

Автор подборки: @Turkeugene

Копирование материала возможно только с письменного разрешения автора и при условии указания источника — @dzagimedia 

Идти далековато, так что он пытался остановить попутку. В это время копы ехали по маршруту патрулирования и заметили на трассе мужчика с двумя сумками. Подъехали, а документов у него с собой нет.

Начали устанавливать личность, мужчина заметно занервничал – его и обыскали. В одной из сумок нашли 7 пакетов с общим весом почти в 5 кило. Бурят честно признался, что собрал запрещённое растение для собственного употребления. Но всё равно завели дело по факту незаконного оборота наркотических средств в крупном разделе.

А если бы люди знали, что техничкой и дичкой особо не накуришься – не было бы таких бредовых сроков.

Местная администрация так запустила участок площадью в целый гектар, что он превратился в «плантацию» дикорастущей конопли. Очищать его взялись только по требованию прокуратуры и то после того, как сорвавший каннабис местный житель попал под уголовное дело.

Он собрал шишки для личного пользования, хранил их в гараже. Нарвал, надо сказать, много: 364 грамма. Но где-то собиратель прокололся, и теперь его дело направили в суд. Вместе с ним наказание понесёт и глава района, допустивший бездействие, которое привело к появлению «плантации».

Этому трэшовому абсурду недавно исполнилось 37 лет. За это время кино про Ганжазавра уже успели подзабыть. Но в Хэллоуин время выползти всем всратым монстрам, и этот нападает первым!

В своё время «Ганжазавр Рекс» считался культовым фильмом. Безусловно, плохим, но культовым. Впрочем, то же самое можно сказать буквально про любое кино из сегодняшнего списка.

Сюжет «Ганжазавра Рекса» вращается вокруг древнего динозавра, питающегося исключительно каннабисом, который оживает и устраивает хаос в регионе, что вызывает панику у местных жителей, учёных и представителей закона. Собственно, самого Ганжазавра в фильме преступно мало, и он выглядит так, будто его слепил из пластилина соседский ребёнок. Но мы уверены, что тех, кто действительно любит трэшовые фильмы, это только подхлестнёт к просмотру!

Восхитительной режиссурой и вменяемой актёрской игрой тут и не пахнет. Но зато пахнет травкой и эстетикой 80-х. Поэтому «Ганжазавр Рекс» — это полное погружение в эпоху малобюджетных ужастиков и комедийных экшнов 80-х с соответствующей стилистикой, музыкой и анимацией, напоминающей ретро-фильмы про монстров. «Ганжазавр Рекс» рассчитан на любителей старомодных спецэффектов и низкобюджетного, но оригинального кино. Если вы узнаёте себя в этом описании, то в этом фильме вы найдёте немало удовольствия.

Со временем Ганжазавр Рекс (как герой) стал символом накуренного трэша. Он и правда идеально вписывается в рамки необычных персонажей, которые появляются только в фильмах категории B. Этот динозавр стал мемом и иконой для любителей странных, но смешных историй о чудовищах.

«Зловещий Бонг» (Evil Bong, 2006)

Сказать, что среди фанатов трэш-кино «Зловещий Бонг» завоевал культовый статус – считай, что ничего не сказать. Этот трэшовый комедийный хоррор породил – только вдумайтесь! – 7 сиквелов и 2 спин-оффа! Да это же уровень какого-нибудь «Форсажа»! «Зловещий Бонг 2: Кинг Бонг», «Зловещий Бонг 420», «Зловещий Бонг 888: Накур Бесконечности» – это только часть продолжений. В общем, «Зловещий Бонг» стал настоящей классикой трэша, завоевал любовь аудитории и выделился своей оригинальностью.

«Зловещий Бонг» рассказывает о группе друзей, случайно купивших таинственный бонг, обладающий зловещей силой. Этот, казалось бы, безобидный предмет на самом деле оказывается проклятым: каждый, кто курит из него, попадает в параллельный мир — своеобразный ад, где обитают странные персонажи, а в воздухе витает опасность. Фильм построен на абсурдном сюжете, в котором герои сталкиваются с комедийными, часто нелепыми и пугающими ситуациями. Всё это преподнесено с явной самоиронией, благодаря чему «Зловещий Бонг» и стал классикой «накурочного» кино.

Фильм совершенно не пытается быть серьёзным и активно использует элементы чёрного юмора и сатиры, превращая ужасы в комедию. И обратно. И получается так, что зритель одновременно и ощущает себя участником всего происходящего на экране, и смеётся над ужасающей нелепостью происходящего.

Да и к тому же, согласитесь, проклятый бонг как главный антагонист — это необычная находка, которая определённо выделяет фильм. Это не типичный ужастик с привидениями или монстрами, а свежий взгляд (красными глазами-щелками) на жанр. Как раз для тех, кто любит неординарные истории.

Плюсом выступает ещё и уже упомянутая сатира. В том смысле, что это кино высмеивает не только стереотипы о «накурочном» образе жизни, но и сами клише ужастиков. Это придаёт фильму особый оттенок и делает его интересным даже для тех, кто не является поклонником ужасов.

А ещё тут есть камео Томми Чонга, культовой фигуры для всех любителей дунуть!

Дымная тематическая комедия, чёрный юмор, абсурдные повороты сюжета и оригинальная концепция – что ещё нужно?

Высокий рейтинг? Нууу... не сегодня 🙂

«Кокаиновая акула» (Cocaine Shark, 2023)

Вообще, существует целый микрожанр фильмов из серии «хищники под веществами». В него входят много фильмов типа «Метамфетаминовый Аллигатор», «Енот под Крэком», «Кокаиновые Крабы из Далёкого Космоса» и прочие. Почему мы решили выбрать именно «Кокаиновую акулу»? Потому что про фильмы с рейтингом ниже двух говорят вслух!

«Кокаиновая акула» — это очередной малобюджетный ужастик, который появился на волне популярности абсурдных хорроров о животных-убийцах. В центре сюжета — история о наркобароне, который создает новый препарат. Он получает его из акул. Но вот беда: всё это дело вызывает мутации у водных хищников, и они вырываются на свободу и начинают сеять хаос вокруг. Теперь их главная цель — охотиться на всё живое, разрушать и убивать. А люди?... Ну, людям остаётся только лишь бороться за выживание, попутно пытаясь справиться с необычным врагом.

Рейтинг этого фильма — 1.8 из 10. И в то время, как для одних — это «красный флаг», для других — вызов!

Более того, фильм абсурден на самом глубинном уровне. Тут, блин, даже накокаиненных акул из названия нет! Фильм получил такое имя лишь потому что в том же 2023-м году выходил более громкий проект актрисы и режиссёра Элизабет Бэнкс «Кокаиновый Медведь», который даже крутили в кино.

Но и это не весь абсурд этой истории. Нюанс в том, что «Кокаиновую акулу» изначально должна была снимать Элизабет Бэнкс (она даже проявляла интерес), но режиссёр Марк Полония опередил её и, вместо чего-то хотя бы немного адекватного, снял полнейший трэш. У «Кокаинового Медведя» хотя бы рейтинг около 6 из 10.

Но, послушайте, ведь даже трэш начинает выглядеть по-другому, если смотреть на него накуренным взглядом! Здесь много юмора, отсылающего к другим стоунерским и абсурдным фильмам, и это делает «Кокаиновую акулу» нестандартным, но хорошим выбором для компании, вооруженной бонгом и достаточным количеством травы. Ведь за непритязательностью сюжета тут кроется комедийная находчивость.

Пусть фильм вышел и недавно, но он нашёл своих поклонников среди любителей трэш-кинематографа благодаря своей смелости и абсолютной безумности.

«Конопляное Мочилово» (4/20 Massacre, 2018)

Один из самых популярных поджанров фильмов ужасов — это слэшер. И авторы «Конопляного Мочилова» сделали всё, чтобы скрестить комедийный слэшер с канна-тематикой. Получился откровенный малобюджетный трэш, пропитанный приятным дымком.

Сюжет рассказывает историю пяти подруг, решивших отправиться в поход на природу. Они хотят отметить день рождения одной из них. И это мероприятие приходится аккурат на 20 апреля — день, посвящённый каннабису. Девушки стремятся весело провести время, но их уединённый отдых превращается в смертельную охоту, когда на них начинает охотиться таинственный и беспощадный убийца. А тут ещё и плантация травки обнаружилась... В общем, встреча с неизвестным врагом в странном зелёном костюме вынуждает накуренных девушек бороться за свои жизни.

«Конопляное Мочилово» довольно неплохо балансирует между комедией и ужасом. Абсурдного юмора тут ровно столько, чтобы уравновесить классические элементы слэшера. Комедийные моменты не ослабляют напряжение, а наоборот, делают его более контрастным и неожиданным.

Другой плюс «Конопляного Мочилова» заключается в разнообразии персонажей: у главных героинь фильма яркие образы. Их запоминаешь сразу же. Каждая — личность! И, как подобает ярким личностям на экране, за их взаимодействием интересно следить.

Но в целом, конечно, это полный трэш. В интернете шутят, что в оригинальном названии «4/20 Massacre» зашифрован рейтинг этого фильма: 4 из 20. При его просмотре то и дело ловишь себя на мысли, что это так плохо, что уже даже, пожалуй, хорошо. И для киношки под накуренную компанию это действительно ценно. А «Конопляное Мочилово» нарочно сделано клишированным фильмом, который не пытается быть серьёзным ужастиком, а подаёт себя как развлекательный и шутливый слэшер для фанатов канна-комедий и жанра в целом.

«Ад в лягушачьем царстве» (Hell Comes to Frogtown, 1988)

Ну и раз вы пробрались через весь предыдущий трэш, то вот вам действительно необычная рекомендация напоследок.

Фильм «Ад в лягушачьем царстве» ни разу не про ад. Hell из названия — это имя главного героя. Его играет Родди Пайпер, профессиональный канадский рестлер и звезда фантастического фильма Джона Карпентера «Чужие среди нас». Компанию ему составляет актриса Сандал Бергман, которой вы могли любоваться в «Конане-Варваре» со Шварценеггером и в его спин-оффе «Рыжая Соня».

«Ад в лягушачьем царстве» строит свой сюжет на постапокалиптическом сеттинге, абсурдном юморе и эксцентричных персонажах. Действие фильма разворачивается в мире, разрушенном атомной войной, где человечество стоит на грани вымирания. Мужчины становятся всё большей редкостью, а репродуктивная функция населения резко снижается. Главный герой, Сэм Хэлл — один из немногих мужчин, обладающих высокой плодовитостью. Военные власти отправляют его в опасную зону, населенную мутантами-лягушками, чтобы спасти захваченных женщин и помочь человечеству возродиться.

Если вы подумали, что всё это звучит как смесь «Безумного Макса» и «Секс-Миссии», то... вы правы!

На экране то и дело происходит всякая дичь. Родди Пайпер играет накачанного и донельзя маскулинного самца, которого правительство выследило по веренице из беременных женщин, тянущейся после его путешествий. Его миссия — спасти и оплодотворить женщин. Две его помощницы — ученая и военная — обе горячие девушки. А враги — огромные лягушки-мутанты, которые в фильме представлены ростовыми куклами с впечатляющим гримом.

Сэм Хэлл — дерзкий и харизматичный антигерой, и его взаимодействие с мутантами и женщинами создаёт множество комичных ситуаций. Юмор в фильме одновременно простой и необычный, подчеркивающий намеренно дикий тон, что придаёт фильму особый шарм.

Кино — чего уж тут скрывать — выглядит совершенно безумно. Но это именно то безумие, которое отлично смотрится под плотный здоровенный косяк. А лучше даже водный.

Смелый сеттинг, эксцентричные персонажи, юмор, довольно неплохой грим и статус «скрытого культового сокровища категории B» делают «Ад в лягушачьем царстве» действительно интересным и нестандартным вариантом для накуренного просмотра. По крайней мере, положа руку на сердце, признаем, что он лучше, чем все остальные фильмы в этой абсурдной подборке.

И, кстати, если вам покажется мало, то напоследок вкинем вам наводку на то, что у «Ада в лягушачьем царстве» есть два сиквела, которые выходили сразу на видео. Многого ждать от них не стоит, но, мы уверены, что вы это уже поняли и сами.

Растения способны выживать в условиях высокой температуры и нехватки воды. Это очень сильно поможет фермерам в засушливых регионах. Генетические ресурсы новой растишки будут добавлены в национальную коллекцию Министерства сельского хозяйства США.

Напомним, конопля, признанная устойчивой культурой, обладает множеством экологических преимуществ, включая способность эффективно поглощать углекислый газ и требовать меньше воды по сравнению с другими культурами типа хлопка. Вклад ученых в разнообразие сортов конопли, устойчивых к засухе, поддерживает инициативы по борьбе с изменением климата и направлен на устойчивое сельское хозяйство.

Заряжайте свои девайсы: отправляемся в полёт через...

5...

– Одно из самых сложных и влиятельных киберпанк-аниме в жанре

4...

– Сюрреалистичные зарисовки о путешествиях молчаливого воина и его птероида над пустыней «Б»

3...

– Культовый сай-фай альманах, основанный на журнале и заложивший основы «Пятого Элемента» и «Любви, Смерти и Роботов»

2...

– Фантастический психоделический триллер в аниме-стилистике

1...

– Сложная, неповторимая и очаровательная французская фантастика о взаимоотношении двух видов

...вперёд!

«Акира» (Akira, 1988)

В восьмидесятых японский писатель Кацухиро Отомо создал мангу «Акира». Она стала невероятно популярной. И несколько лет спустя японские продюсеры задумали экранизировать её. И для этого они сделали одно из самых неочевидных, и при этом верных решений в истории анимации: в кресло режиссёра они позвали самого автора манги. И Кацухиро Отомо создал шедевр на века.

События «Акиры» происходят в футуристическом Токио. Вернее, Нео-Токио. Потому что оригинальная японская столица была разрушена после ядерного взрыва. Катастрофа уже произошла, и главные герои живут в мире, который состоит из технологий, страха и отчаяния. Сюжет сосредотачивается на двух друзьях, Канэде и Тэцуо. Оба они являются участниками байкерской банды. После несчастного случая, у Тэцуо пробуждаются опасные психические способности, которые начинают разрушать его личность и окружающий мир. На фоне борьбы между правительством, научными экспериментами и восстаниями, история постепенно перерастает в грандиозный и трагичный конфликт.

Одним из главных достоинств «Акиры» является его визуальный стиль. Это один из самых детализированных и тщательно прорисованных анимационных фильмов своего времени. Да что там: даже сейчас уровень проработки каждого кадра (отрисованного вручную!) поражает: гиперреалистичная анимация и кинематографические пейзажи с многочисленными движущимися объектами. Это визуальный оргазм, не иначе. Вообще визуальная эстетика «Акиры» повлияла на многие последующие работы, как в анимации, так и в кино. Да и в музыку тоже: в любви к «Акире» расписывался и сам Канье Уэст. Вообще за прошедшие годы это аниме стало иконой мировой поп-культуры. Его визуальные и тематические элементы вдохновили множество других произведений от «Матрицы» до «Призрака в доспехах». Многие считают, что именно этот фильм открыл западной аудитории мир японской анимации.

Сюжет «Акиры» поднимает сложные вопросы о власти, контроле, человеческой природе и последствиях научных экспериментов. Это не просто фантастический боевик, а философское произведение, заставляющее задуматься о роли технологий, разрушении и эволюции человечества. Сюжет может казаться сложным, но он раскрывает темы личностного кризиса, человеческой силы и разрушительной природы власти.

Вообще, говоря откровенно, порой «Акира» действительно кажется слишком сложным произведением, но оно очень круто раскрывается во второй и последующие разы. Поэтому наша вам рекомендация: попробуйте первый свой просмотр сделать максимально дымным, чтобы сполна ощутить силу все атмосферы этого фильма. А уж потом, если вам понравится ваш багаж впечатлений, посмотрите «Акиру» на трезвую (или чуть менее накуренную) голову, чтобы разложить всё по полочкам.

Отдельно хочется отметить музыкальное сопровождение — это вообще отдельное произведение искусства. Композитор Сёдзи Ямасиро использовал уникальные инструменты и звуки, чтобы создать гипнотический, почти мистический звуковой фон, усиливающий напряжённую атмосферу фильма.

«Акира» — один из первых фильмов, который вывел аниме на мировую арену как серьёзный жанр. К тому же эта лента считается одним из главных анимационных произведений в жанре киберпанка. Это не просто экшн со зрелищными взрывами, а глубокая и эмоциональная картина с философскими подтекстами. А ещё «Акира» вдохновляет. Даже спустя много лет. Особенно спустя столько лет!

«Арзак» (Arzach, 2002)

«Арзака» многое роднит с «Акирой». Оба выросли из комикса, обе анимации поставили сами авторы-художники, оба произведения — культовые анимационные ленты своих эпох. И пусть, конечно, культ Арзака не может посоперничать с популярностью «Акиры», но во многом он уложит аниме Кацухиро Отомы на лопатки. Например, по части сюрреалистичности происходящего на экране вряд ли что-то сможет поспорить с «Арзаком», потому что эта анимационная адаптация комиксов Жана Жиро (он же Мёбиус), снятая им же самим, не раз вывернет перед вами реальность наизнанку. И вам это понравится!

Впервые персонаж Арзак появился в 1975 году в журнале «Metal Hurlant». Этот французский альманах комиксов стал предтечей другого культурного феномена, журнала «Heavy Metal», к которому мы вернёмся чуть позже. Мультфильм «Арзак» рассказывает о загадочном воине, который путешествует по довольно мрачным пейзажам на гигантском птероиде. Арзак носит характерную широкополую шляпу и длинный плащ, а сам мир, в котором он действует, полон необычных существ, фантастических ландшафтов и странных событий.

Визуальная эстетика Мёбиуса является одной из главных причин, почему стоит посмотреть «Арзака». У Жана Жиро был действительно свой очень необычный и выделяющийся стиль рисовки, который он смог передать и в анимации. Его визуальные работы, представленные в комиксе и мультфильме, поражают своими деталями и особенно – изобретательностью. Пейзажи и миры, созданные Мебиусом, выглядят одновременно чуждыми и захватывающими, что погружает зрителя в уникальную атмосферу. «Арзак» — это настоящая демонстрация его мастерства в создании футуристических и сюрреалистических миров.

А ещё этот мультфильм практически лишён диалогов. Это делает его ещё более загадочным и мистическим. Плюс это способствует глубокому погружению в визуальный и эмоциональный аспект истории. Особенно по накуру. Формат четырёхминутных эпизодов не даёт заскучать, а сюжетные повороты реальности, остающиеся без объяснения, позволяют зрителю самому интерпретировать мотивы и мысли героя. Именно эта недосказанность, пространство для воображения, делают «Арзака» по-настоящему необычным опытом.

«Арзак» – очень абстрактный кинематографический опыт. Это полёт безграничной фантазии. Это особенный подход к креативности. В целом, тут такой мир, что на экране возможно всё. И этой вот уникальной атмосферой свободы «Арзак» особенно хорош.

«Тяжёлый металл» (Heavy Metal, 1981)

Сразу следует сказать, что «Тяжёлый металл» берёт корни в комиксах. Сперва был французский проект «Metal Hurlant», потом появилась его англоязычная версия «Heavy Metal», которая обросла огромным культом. И там, и там печатались комиксы для взрослых. Там не было никаких стоп-слов для жестокости, секса, насилия и полёта фантазии. Только чистый креатив лучших комиксистов своего времени. И эти свободные истории долгое время будоражили умы кинематографистов.

И вот продюсер по имени Айвен Райтман (тот самый, который снял две первые части «Охотников за привидениями» и спродюсировал десятки крутых фильмов от «Дорожного приключения» до «Бетховена») действительно загорелся идеей сделать анимационный фильм по нескольким комиксам из своего любимого журнала. Для этого он нанял режиссёра Джеральда Поттертона, который в течение многих месяцев координировал работу более тысячи художников, аниматоров и техников из семнадцати стран. Среди них были такие художественные мастодонты как Луис Ройо и Хуан Химинес

В итоге получился культовый мультфильм, состоящий из нескольких коротких историй, связанных общей темой загадочного зелёного шара Лок-Нар, символизирующего абсолютное зло. Лок-Нар путешествует по вселенной и разрушает жизни разных персонажей, в результате чего зрители видят фантастические миры, переполненные насилием, магией, наукой и эротикой.

Что особенно круто, каждая история выполнена в своём художественном стиле, отражающем разнообразие жанров и подходов к анимации. Особый упор тут делается на элементы киберпанка, космических приключений, тёмного фэнтези и постапокалипсиса. А ещё какой же «Тяжёлый металл» без соответствующей музыки? За саундтрек тут отвечают великие рокеры от Black Sabbath и Blue Oyster Cult до Devo и Grand Funk Railroad. От этого «Тяжёлый металл» только выигрывает в плане энергетики.

Этот мультфильм не боится экспериментировать с разными жанрами и стилями. И благодаря этому «Тяжёлый металл» интересно смотреть буквально каждому, кто любит фантастические и мрачные истории. И этот мульт не боится показывать взрослый контент. «Тяжёлый металл» довольно безапелляционно заявляет, что анимация не должна быть исключительно детским жанром. И, учитывая 1981-й год выпуска, это было действительно довольно смелое заявление.

Как, собственно, смелым был и сам подход к форме анимационного альманаха: мультфильм был экспериментальным проектом, который раздвинул границы того, что могла предложить анимация. Новаторство «Тяжёлого металла» стало символом контркультуры, исследуя табуированные и жестокие темы с помощью выразительных визуальных образов.

В общем, «Тяжёлый металл» – это знаковая веха для любителей научной фантастики, фэнтези и тяжёлой музыки. Если причисляете себя к ним – добро пожаловать на борт нашего космического корабля!

«Паприка» (Paprika, 2006)

«Паприка» занимает особое место в сердце каждого любителя аниме. Во-первых, потому что его создатель Сатоси Кон – искусный визионер, создавший несколько шедевров, каждый из которых собрал вокруг себя огромную базу фанатов. Во-вторых, дело в том, что «Паприка» сама по себе - выдающееся произведение искусства. Это визуальное пиршество, сюрреалистичная одиссея и торжество воображения.

«Паприка» вышла в 2006 году. Она основана на одноимённом романе Ясутаки Цуцуи. По жанру это фантастический триллер с весомой долей психоделики и научной фантастики. Здесь исследуется природа снов, реальности и человеческого сознания. Сюжет вращается вокруг революционного устройства, которое позволяет людям проникать в сны друг друга. Главная героиня, доктор Ацуко Тиба, использует свой альтер-эго по имени Паприка для того, чтобы помогать пациентам лечить психологические проблемы. Однако, когда устройство оказывается украдено, границы между сновидениями и реальностью начинают размываться, что приводит к хаосу.

Если это описанию сюжета навеяло вам синопсис фильма «Начало», то вы близки к истине. Кристофер Нолан признавал, что красочная фантазия «Паприки» была для него источником вдохновения. Более того, голливудский фильм открыто заимствует ряд сцен из японского аниме. Но нюанс в том, что, если «Начало» более структурировано и дружелюбно, «Паприка» не церемонится со зрителем и берёт его прямо за веки, закидывает в гущу визуальной магии и не отпускает до самого конца. Это как самородок, неогранённый бриллиант, с которым нужно обращаться аккуратно, иначе получишь порезы на мозге. Однако при этом стиль анимации Сатоси Кона придает сюжету удивительную глубину, делая каждую сцену эмоционально насыщенной и захватывающей.

И это идеальный сеттинг для того, чтобы раскуриться перед просмотром. Причём, плотно так раскуриться. Всё равно с первого раза «Паприку» раскусить сложновато. Фильм погружает зрителя в сложные вопросы о том, где заканчивается сон и начинается реальность. А в таких вопросах иногда очень необходим крепкий джоинт. Он как ваш личный Вергилий проводит вас в исследование тонкой границы между сознанием и подсознанием. «На высоте» это аниме смотреть – одно удовольствие. Сразу погружаешься в многослойность художественных иллюзий и начинаешь задумываться о природе восприятия. В общем, это кино для тех, кто любит задавать глубокие философские вопросы и искать ответы.

«Фантастическая Планета» (La Planete sauvage, 1973)

В начале семидесятых французский режиссёр Рене Лалу в сотрудничестве с художником Роланом Топором создал мультфильм «Фантастическая Планета», равного которому до тех пор в Европе не было. Более того, эта анимация для взрослых стала первым полнометражным мультфильмом, снятым французским режиссёром.

Действие мультфильма разворачивается на далёкой планете Игам, населённой гигантскими синими существами, известными как Драаги. Человечество в этом мире представлено крошечными существами, называемыми Омами, которых Драаги держат в качестве домашних животных и игрушек. Однако однажды Омам удаётся восстать против своих хозяев. И это приводит к борьбе за выживание и свободу.

Возможно, сейчас «Фантастическая Планета» и не смотрится настолько революционно, как полвека назад, но оно и понятно: технологии шагнули очень далеко вперёд. Но, тем не менее, один из самых значимых аспектов этой анимации — это её неповторимый художественный стиль. Художник-постановщик Ролан Топор создал по-настоящему сюрреалистичные и абстрактные изображения, что придаёт фильму ощущение, будто смотришь на оживший фантасмагорический рисунок. Нереальные, причудливые пейзажи и необычные создания подчеркивают инопланетную и чуждую природу мира Игам, вызывая ощущение странности и загадочности.

К этому же добавляется и аллегорический сюжет о социальных и политических вопросах типа угнетения, рабства и борьбы за свободу. История взаимоотношений между Драагами и Омами рассматривает темы колониализма, подавления меньшинств и революции. Так что фантастика фантастикой, но рассматривать «Фантастическую Планету» во многом необходимо как социальное высказывание, которое побуждает к размышлению о неравенстве и человеческой природе.

Отдельный кайф – саундтрек Алена Гораге. Звуковой ряд дополняет сюрреалистические образы и усиливает ощущение погружения в странный и необычный мир. Причём, саундтрек включает элементы джаза и психоделики, и от этого он за полвека не устарел ни на день, и по-прежнему слушается очень хорошо. Ну а в самом фильме он подчеркивает абстрактный характер сюжета и его психоделическую эстетику.

Возможно, «Фантастическая Планета» – не самый сильный фильм в сегодняшней подборке, но совершенно точно – один из наиболее влиятельных. С дымком он смотрится совершенно по-особому. А небольшой хронометраж (чуть более 70 минут) делает его хорошим вариантом, чтобы посмотреть что-нибудь на пике эффекта от какого-нибудь нового крепкого штамма ароматной травки.

Прошлые подборки: часть 1, часть 2, часть 3, часть 4, часть 5, часть 6, часть 7, часть 8, часть 9, и тематическая подборка на 420.

Автор подборки: Turkeugene